Date de sortie 20 avril 2016

Réalisé par Leena Yadav

Avec Tannishtha Chatterjee, Radhika Apte, Surveen Chawla, Lehar Khan,

Riddhi Senn, Mahesh Balraj, Chandan Anand, Sumeet Vyas, Adil Hussain

Titre original Parched

Genre Drame

Production Indienne

Synopsis

Inde, Etat du Gujarat, de nos jours.

Dans un petit village, quatre femmes osent s'opposer aux hommes et aux traditions ancestrales qui les asservissent.

Bijli (Surveen Chawla), danseuse itinérante, considérée comme une prostituée est la seule à avoir osé quitter le village. Rani (Tannishtha Chatterjee), veuve à quinze ans après un mariage forcé, est condamnée à ne s’habiller que de noir et à élever seule son fils, devenu alcoolique, Gulab. (Riddhi Sen). La toute jeune Janaki (Lehar Khan), mariée de force avec Gulab. Lajjo (Radhika Apte), méprisée et battue par Manoj (Mahesh Balraj) son ivrogne d'époux, qui l'accuse d'être stérile.

Portées par leur amitié et leur désir de liberté, elles affrontent leurs démons, et rêvent d'amour et d'ailleurs.

Née en 1971, Leena Yadav est la fille d’un ancien général de division de l’armée indienne qui changeait d’affectation tous les deux ans. Déménager constamment lui a conféré une grande capacité d’adaptation et cette expérience a eu un impact considérable sur la personne qu’elle est devenue aujourd’hui.
Leena Yadav a fait son entrée dans l’univers du cinéma en montant des publicités au début des années 1990. Elle a ensuite réalisé plus de 300 heures de programmes pour la télévision, notamment des séries à succès.
Shabd réalisé en 2005 est le premier film écrit, réalisé et monté par la réalisatrice. Sa distribution repose sur des stars comme Aishwarya Rai, Sanjay Dutt et Zayed Khan. Le film aborde les ressorts psychologiques de l’amour, du mariage, de la créativité et de la liberté. Pour le deuxième film écrit et réalisé par ses soins, Teen Patti en 2010, Leena Yadav fait appel à deux légendes du cinéma, Amitabh Bachchan et l’acteur oscarisé Sir Ben Kingsley. Il s’agit d’un thriller sur la cupidité, la tromperie et la théorie des jeux.

Après ces deux longs-métrages réalisés à Bollywood, Leena Yadav s'est tournée vers le film indépendant.

La Saison des Femmes est son troisième long-métrage.

Malgré une industrie florissante du cinéma en Inde, Leena Yadav n’a pas eu de financement pour l’aider à réaliser La Saison des Femmes; c’est son mari qui a joué les producteurs pour l’occasion.

Au discours social très progressiste, Leena Yadav a mêlé les traditions indiennes et bollywoodiennes de chant et de danse dans le film. "Je suis une cinéaste indienne et je n’aurais jamais pu faire un film sans ces éléments même si j’explore des réalités très violentes. Alors oui, arriver à cet équilibre, c’était simple et vital à la fois". "Je ne me suis forcée à rien et n’ai rien recherché qui n’était pas en accord naturel avec l’histoire de ces femmes.", confie-t-elle.

Entretien avec la réalisatrice Leena Yadav

Quelle est l’origine de La Saison des Femmes ?

Petite fille, mes parents m’ont appris à juger et traiter les autres comme des êtres humains avant tout, sans tenir compte de leur sexe, de leur religion ou de leur caste. Ce film est ma réaction à une société misogyne qui traite les femmes comme des objets sexuels, dont le rôle se limite à servir les hommes. Si j’ai choisi d’écrire l’histoire de ces femmes ordinaires au destin extraordinaire, c’est pour donner à mes personnages féminins une voix qui observe, comprend et réagit. Nous sommes tous parfois contraints par la structure sociale à nous conformer à certaines normes ou valeurs, sans nous interroger sur leur signification ou les remettre en cause. Si les remettre en question fait de nous des hors-la-loi, eh bien tant pis !
Durant l’hiver 2012, j’ai sillonné le désert aride du Kutch, dans l’État indien du Gujarat, en quête d’histoires à raconter. Situé au nord-ouest de l’Inde, ce territoire reculé aux paysages impressionnants abrite deux millions d’habitants, répartis en petites communautés. La population est régie par d’anciennes "normes" patriarcales décrétées par le conseil du village, composé en grande partie d’hommes. J’ai été captivée par les paysages du Kutch, par son sol desséché et craquelé, et par ses femmes aux tenues chamarrées.
Mon histoire se passe dans le village imaginaire d’Ujhaas. Pour le film, nous avons inventé une langue qui mélange l’hindi à un dialecte local, le kutchi.

Quelles ont été vos sources d’inspirations pour créer vos héroïnes ?

Dans un village, j’ai rencontré une femme prénommée Rani. Elle nous a invités dans sa hutte et nous a raconté son histoire autour d’un repas préparé par ses soins. Devenue veuve à l’âge de quinze ans, elle a consacré sa vie à l’éducation de ses enfants. Son histoire était authentique, parfois même drôle. J’ai eu envie de la raconter quand Rani m’a pris la main et m’a confié : "On ne m’a pas touchée depuis dix-sept ans. J’ai enfoui tous mes besoins au fond de moi pour faire ce qui convient pour mes enfants." Ses mots m’ont choquée et bouleversée. Qu’est-ce qui «"convient" ? Est-il "convenable" d’ordonner à une enfant de quinze ans de passer le reste de son existence vêtue de noir, à élever seule les enfants qu’elle a eus très jeune suite à un mariage forcé ? Pourquoi lui a-t-on retiré le droit à la couleur et à tout contact physique ? Qui a décrété ces « normes » sociétales, et pourquoi Rani les a-t-elle acceptées ? J’ai gardé ce prénom pour mon personnage principal.

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Un autre jour, une jeune femme s’est assise avec nous. Elle bavardait et riait en toute insouciance, mais son visage et ses bras étaient couverts de bleus.

Quand j’ai enfin osé lui demander si elle allait bien, elle a minimisé le problème : "Mon mari travaille beaucoup, parfois c’est frustrant pour lui. Sur qui d’autre pourrait-il se défouler ?". "C’est ma vie... parlons d’autre chose", a-t-elle conclu avec un grand sourire. C’est ce sourire qui m’a inspiré le personnage de Lajjo.

Dans ces régions rurales, en particulier, j’ai rencontré des femmes qui travaillent dur. Le jour, elles cuisinent, font le ménage, élèvent seules leurs enfants et effectuent des tâches agricoles éreintantes. Le soir, elles gagnent un peu d’argent supplémentaire en brodant à la lueur d’une lampe des étoffes artisanales, revendues à prix d’or dans les grandes villes. Ces femmes subissent un véritable lavage de cerveau. On leur fait croire que leurs efforts ne valent rien, que ce sont les hommes qui subviennent aux besoins de la famille. « Le pauvre, il travaille toute la journée et rentre fatigué le soir, c’est normal qu’il prenne un verre pour se détendre, » expliquent-elles pour excuser l’alcoolisme de leurs maris, souvent camionneurs saisonniers. Les femmes de La saison des Femmes sont le fruit de toutes ces rencontres.

Votre film pointe du doigt, entre autres, le cercle vicieux de la misogynie...

Lors de nos repérages pour les scènes en extérieur, nous avons visité une bonne trentaine de villages aux environs de Bhuj, du Gujarat et du Rajasthan. On nous a interdit d’y tourner, car les villageois n’approuvaient pas qu’une femme (moi, en l’occurrence) dirige une équipe, porte des pantalons, ne se couvre pas la tête et parle ouvertement aux hommes. Contre toute attente, ce sont les hommes de la jeune génération, ceux qui sont aux commandes aujourd’hui, qui ont eu le plus de mal à accepter une femme émancipée comme chef d’équipe.

L’un d’eux m’a dit : "Si une femme comme vous pénètre dans notre village, nos femmes seront perverties." Cette expérience m’a inspiré le personnage de Gulab, le fils de Rani. Gulab a été élevé dans un univers patriarcal, où la misogynie constitue la "norme".

Il est tout autant le produit de cet univers que son propagateur. En ce sens, Gulab est lui aussi une victime.

Ses aînés lui ont transmis la colère et l’agressivité comme techniques de survie. On lui a inculqué que les femmes sont des objets sexuels, des possessions. Il se voit privé de douceur, de gentillesse et d’amour car il est "un homme".

Le plus tragique, c’est que très probablement, en grandissant, Gulab deviendra comme Manoj, le mari maltraitant de Lajjo. Je connais des hommes qui battent leurs femmes comme le fait Manoj dans mon film, et des épouses qui supportent sans broncher leurs mauvais traitements, pour des raisons qui m’échappent. Ces hommes ne sont pas toujours des villageois illettrés, certains portent un costume, dirigent des entreprises et peuvent être de fins connaisseurs de vin. La relation entre Manoj et Lajjo s’inspire de ces relations fondées sur le sentiment d’impuissance du mari, qui l’extériorise en maltraitant la personne la plus proche de lui.

La musique tient une place très importante dans votre film…

Le travail avec Hitesh Sonik sur la musique du film a été une sacrée aventure ! Tout d’abord, nous avons déniché la voix brute mais bouleversante de Gaazi Khan au Rajasthan. Nous l’avons enregistrée dans un studio délabré de Jodhpur. C’est là qu’est née la chanson "Baaisa". Cette chanson est une ode aux filles, mais paradoxalement, nous l’avons utilisée dans la scène où la toute jeune épouse est expédiée vers son nouveau domicile conjugal. Hitesh a ensuite composé "Maa" ("mère "), sur des paroles de Swanand Kirkire. Quand Hitesh a joué les premières notes de "Maai", j’ai tout de suite su que La Saison des Femmes était entre de bonnes mains. Des chansons grivoises sur lesquelles danse Bijli, la prostituée, à la mélodie très émouvante de "Maai", Hitesh est toujours resté en communion avec l’âme du film à travers sa musique. Créer la bande originale dans sa totalité fut le fruit de longues discussions entre lui et moi. Il y a eu des désaccords, de la colère, du rire et parfois même quelques larmes... Mais nous avons toujours su que nous finirions par trouver le bon ton pour le film.

Comment avez-vous recréé l’ambiance électrisante de ces scènes de danse ?

Il était important pour moi qu’il y ait ce pendant festif au discours social que j’ai voulu faire passer dans mon film, sur la condition de la femme dans mon pays. Plus précisément, dans les scènes avec Bijli, la compagnie de danse que l’on voit dans le film reproduit une pratique très commune au nord de l’Inde, où des femmes montent sur scène pour émoustiller les spectateurs. Les paroles et les mouvements de leurs numéros sont à forte connotation sexuelle. Beaucoup de ces femmes sont aussi des prostituées. J’ai toujours été fascinée par ces danseuses itinérantes, qui sont paradoxalement bien implantées dans la tradition indienne. Le personnage de Bijli m’a permis d’explorer un aspect très intéressant de la sexualité. J’ai presque fait d’elle la voix de l’émancipation, puisque c’est la seule femme du trio à s’être aventurée hors du village, à connaître le monde extérieur. Elle m’a aussi permis de mieux comprendre Rani et Lajjo à travers son regard, puisque moi aussi je viens de l’extérieur.

Votre film mêle une analyse frontale de la société indienne avec la tradition du cinéma bollywoodien. Etait-ce important pour vous que ces deux pans coexistent ?

En Inde, nous aimons les films et le cricket. C’est presque une obsession. Bollyood fait partie intégrante de nos vies et s’inspire de nos de vies, lorsque nous dansons et chantons à de multiples occasions. Nous nous exprimons quotidiennement grâce à la danse et à la musique.

Comment produit-on un tel film en Inde aujourd’hui ?

C’est extrêmement difficile de trouver du financement pour un film comme La Saison des Femmes en Inde aujourd’hui. J’aurais aimé que les choses soient différentes, que de tels films puissent trouver leur place dans l’immense industrie du cinéma indien et coexistent à côté du cinéma bollywoodien. Nous avons tous, moi en premier, pulvérisé bien des barrières pour faire exister La Saison des Femmes. J’ai été soutenue par mon mari qui a endossé le rôle de producteur. J’espère juste que je pourrai montrer le film sans aucune censure en Inde.

Justement, quand le film sera-t-il distribué en Inde et comment pensez-vous qu’il sera reçu par les spectateurs ?

Nous devons encore soumettre La Saison des Femmes au comité de censure. Nous construirons la stratégie de sortie lorsque nous aurons leurs retours. Les quelques personnes qui ont découvert le film en projections privées ont magnifiquement réagi. Alors… j’espère une réaction positive de la part de la censure.

Pensez-vous que le film créera des débats dans votre pays ?

Je le souhaite de tout coeur. J’espère que La Saison des Femmes suscitera des conversations, des polémiques qui me semblent essentielles pour notre monde et pour nos vies aujourd’hui. Tous ces sujets ont été trop longtemps relégués aux oubliettes, cachés sous le tapis. Et les débats sont un premier pas vers le changement…

Mon opinion

Outre les difficultés rencontrées pour le financement du film, la réalisatrice, Leena Yadav, a déclaré : "Lors de nos repérages pour les scènes en extérieur, nous avons visité une bonne trentaine de villages aux environs de Bhuj, du Gujarat et du Rajasthan. On nous a interdit d’y tourner, car les villageois n’approuvaient pas qu’une femme dirige une équipe, porte des pantalons, ne se couvre pas la tête et parle ouvertement aux hommes. Contre toute attente, ce sont les hommes de la jeune génération, ceux qui sont aux commandes aujourd’hui, qui ont eu le plus de mal à accepter une femme émancipée comme chef d’équipe."

Une déclaration qui met en avant la condition féminine dans cette contrée, ce pays, et qui mérite largement d'être soulignée pour le courage nécessaire à mener pareille entreprise.

Dénoncer l'intolérable et ancestral patriarcat, certes, mais sans cacher une autre réalité. Le scénario démontre parfaitement le cheminement de certaines femmes, perdues dans des rites d'un autre temps, qui vendues pour des mariages forcés dès leur plus jeune âge, deviendront, éventuellement, à leur tour des marâtres autoritaires et sans pitié.

Le film est éclatant de couleurs, enthousiaste et évite tout pathos.

La photographie magnifique, révèle toute la beauté de cette contrée et plus encore, celle des principales protagonistes. Quatre formidables actrices, qui, grâce à leur talent, imposent un dynamisme joyeux. Leur détermination résonne comme un grand cri d'espoir.

La caméra magnifie ces femmes dans leurs saris colorés. La réalisatrice les rend sublimes dans quelques scènes dénudées, dont une très belle scène d'amour.

L'ensemble du casting, l'habile construction du scénario, la formidable bande-son et la réalisation parfaite, font de La Saison des Femmes un très beau film.

Nécessaire aussi, pour saluer le courage de ces femmes qui doivent se battre contre une domination masculine qui les prive, aujourd'hui encore, de l'essentiel. Le libre choix et l'égalité.

Date de sortie 30 mars 2016

Réalisé par Vanja D'Alcantara

Avec Isabelle Carré, Jun Kunimura, Niels Schneider,

Fabrizio Rongione, Masanobu Ando, Mugi Kadowaki

Genre Drame

Production Belge, Française, Canadienne

Synopsis

Trop longtemps séparée de son frère, Alice (Isabelle Carré) se rend sur ses traces au Japon, dans un village hors du temps, au pied des falaises.  Ici, Nathan (Niels Schneider) avait retrouvé l'apaisement auprès d'un certain Daïsuke (Jun Kunimura).  C'est au tour d'Alice de se rapprocher du vieil homme, et de ses hôtes.  Dans une atmosphère toute japonaise, elle se remet à écouter son cœur…

Jun Kunimura et Isabelle Carré

Olivier Adam - Auteur du roman Le cœur régulier

Comme scénariste, Olivier Adam a participé à l'écriture de Welcome et de Je vais bien, ne t'en fais pas, son premier roman, réalisé par Philippe Lioret. Ses ouvrages Poids léger et À l’abri de rien sont adaptés par Jean-Pierre Améris. En 2011, Des vents contraires (publié en 2009) est porté à l’écran par Jalil Lespert.

Olivier Adam écrit également des ouvrages pour la jeunesse, publie régulièrement dans les revues littéraires et anime des ateliers d'écriture en milieu scolaire.

Dans Le cœur régulier (publié en 2010), il parle "du Japon comme d’une sensation" ; on entend la voix de Sarah, une femme partie au Japon à la recherche des traces de son frère dans une station balnéaire déserte où se retrouvent des candidats au suicide. Et dans Les Lisières (publié en 2012), le narrateur, l’écrivain Paul Steiner, retourne dans la banlieue parisienne de son enfance pour garder son père; sans cesse, il touche les extrêmes de son existence…

À l’occasion de la sortie du film, Le cœur régulier sera réédité aux éditions Points. Ainsi qu’aux éditions Audiolib.

En 2004, Olivier Adam obtient le Prix Goncourt de la nouvelle pour son recueil Passer l'hiver.

Olivier Adam a aussi participé à la création du festival littéraire Les correspondances de Manosque.
 

Ces dernières années, je n’ai pas manqué de chance en matière de cinéma. Mes romans ont fait l’objet de plusieurs adaptations. J’ai collaboré à différents projets. Ce furent des expériences souvent passionnantes. Cependant, si je reste fier des œuvres qui en sont issus, aucune d’entre elle n’a été jusqu’ici l’expression de ma "cinématographie intime". Ni même de l’essence de mes livres. Je ne m’en plains pas. C’était inévitable et même, dans une certaine mesure, souhaitable. Je n’ai jamais cherché à voir mes romans "traduits" en films. Je n’ai jamais non plus attendu de leurs réalisateurs qu’ils me soient fidèles. Seulement qu’ils le soient à eux-mêmes, à leur vision, à leur langage. Tout au plus, mes écrits ont-ils pu leur fournir un point de départ, de cristallisation à leurs obsessions, l’amorce du chemin qu’ils cherchaient à emprunter.

Le cœur régulier, c’est autre chose. Une sorte de miracle. En le découvrant, outre sa très grande beauté plastique et sa justesse, j’ai été frappé par sa proximité, gémellaire presque, avec ma pulsation interne, mon rapport intime au temps, au cadre, au silence, aux gestes, à la géographie, aux éléments... Le film de Vanja d’Alcantara constitue à mes yeux une parfaite et lumineuse épure, au sens le plus noble du terme, japonais donc, du roman qui en a été la source. Elle en a fait surgir le cœur secret. J’ai eu la sensation très nette de découvrir sur l’écran, dénudés, étincelants, les paysages et les visages mêmes qui ont guidé son écriture. Mon Japon. Mes falaises. Mon Nathan (magnétique Neils Schneider), mon Alice (vibrante Isabelle Carré), mon Daïsuke (minéral Jun Kunimura), traits pour traits. Comme une projection directe de mon cerveau, des images mentales qui me hantaient et que j’ai tenté de traduire en phrases. De l’image aux mots. Puis des mots à l’image. Comme un boomerang.
Pourtant, je le sais, cette fidélité miraculeuse n’était pas un but pour Vanja. Et c’est ce qui rend le film si beau et profond. Dans chaque plan scintille la nécessité qui l’a animée, la singularité de sa manière. Et de son regard. Attentif au moindre bruissement, à la vie qui bat, au présent. Blocs de temps. Blocs de sensation. Blocs de vie. Prégnance des lieux. Patience des gestes. Evidence de ce qui se produit. Sans nul besoin de commentaire, d’explications, de discours. Une pleine confiance dans les pouvoirs du cinéma.
Et à vrai dire, de tout cela, je n’ai pas été surpris. Juste émerveillé. Ce fut une heureuse confirmation de ce que j’avais entrevu en regardant Beyond the steppes, en écoutant Vanja me parler du film qu’elle portait. Ce lien souterrain, presque invisible à l’œil nu, entre mon travail et le sien. C’est d’ailleurs là sans doute ce qui m’a touché dans ce projet, et m’a poussé à l’accepter sans crainte ni réserve. Comme on se reconnaît, en fraternité créatrice, en dépit des apparences, à l’instinct, au premier coup d’œil.

 Olivier Adam.

Photo Christophe Levebvre - www.lavoixdunord.fr/culture

Les falaises de Tojimbo

Le village de Tojimbo est connu pour une légende. On raconte qu'un moine bouddhiste qui vivait dans le temple local est tombé amoureux d'une princesse nommée Aya. Un de ses soupirants, craignant qu'elle ne succombe à son charme, attira le moine dans un piège et le jeta du haut de la falaise. Depuis, chaque année, le moine revint sur les lieux à la même période en provoquant orages et tempêtes. Jusqu'au jour où un autre moine, pris de compassion pour le mort, vint accomplir une cérémonie rituelle en son souvenir...

Des décennies plus tard, Tojimbo est devenu le lieu d'un autre rituel : régulièrement des personnes s'y rendent et tentent d'en finir en se jetant de ses falaises.

Certaines de ces âmes en peine ont la chance de croiser le chemin de Yukio Shige, un policier à la retraite qui arpente les lieux pour les détourner de leur idée. Il aurait empêché près de deux cents personnes de sauter dans le vide, simplement en leur parlant, et surtout en les écoutant.

Vanja d’Alcantara est née à Bruxelles en 1977. Elle étudie l’histoire à l’Université Libre de Bruxelles, puis la réalisation cinématographique au RITS. En 2002, elle part faire une année de spécialisation en écriture de scénario à la New York University. D’un voyage à l’autre, elle développe divers projets et, en 2004, elle réalise et produit son premier documentaire La Tercera Vida (La troisième vie), entièrement tourné dans une prison en Espagne. En 2006 elle réalise Granitsa, un court-métrage tourné dans le Transsibérien en Russie, qui sera sélectionné dans de nombreux festivals internationaux.
Beyond the steppes, son premier long-métrage réalisé en 2010, est le récit intimiste d’une jeune femme polonaise déportée en Asie centrale au début de la seconde Guerre mondiale. L’histoire très personnelle est inspirée du vécu de la propre grand-mère de Vanja. Le film est sélectionné en compétition officielle au festival de Locarno ; il remporte le Prix du Jury (présidé par John Malkovitch) au prestigieux Festival International du Film de Marrakech, ainsi que le prix de la Meilleure actrice aux Vlaamse Filmprijzen et le Best Director Award au Japon. Beyond the steppes est également nominé Meilleur film aux Magritte du Cinéma belge.

Entretien avec Vanja d’Alcantara

réalisé le 11 décembre 2015 à Bruxelles et relevé dans le dossier de presse.

Quand avez-vous découvert le roman d'Olivier Adam ?

D'abord, il y a eu ma découverte de Yukio Shige. Il y avait comme une espèce de magie autour de ce "sauveur des falaises", qui en faisait une belle promesse de cinéma. Mais je ne me voyais pas la légitimité de raconter l'histoire d'un japonais. J'ai mis cela de côté mais, à la longue, j'ai bien senti que cette histoire de falaise m'obsédait. Par pur hasard, je suis tombé sur le roman d’Olivier Adam dans une petite librairie suisse. Je m’aperçois qu'il est inspiré par l'histoire de Shige mais sous l’angle exact que je cherchais : un point de vue occidental sur l'étranger, un voyage vers une terre inconnue... J'ai eu l'impression que certaines pages étaient écrites pour moi. Je pensais que ce ne serait pas simple d’acquérir les droits mais j’ai envoyé un message à Olivier Adam, accompagné de Beyond the steppes, mon premier film. Il semble que cela lui ait parlé…

Beyond the steppes évoquait la trajectoire d'une femme, son périple dans un pays étranger. Le cœur régulier s'inscrit dans cette lignée...

Ces histoires-là m'attirent. Le Japon, le parcours initiatique d'une femme, sa quête intérieure.... Je cherchais comment m'approprier l'histoire de Shige, mais je n'arrivais pas à trouver comment y accéder. Avec ce texte, j'avais la clé, je n'avais plus qu'à m'y glisser. L'écriture n'a pas été facile pour autant, même beaucoup plus difficile que je ne l'imaginais.

Qu'est-ce qui bloquait ?

J'ai toujours pensé qu'il pouvait y avoir un malentendu autour de l'idée d'adaptation : on imagine que le point de départ d'un scénario est une oeuvre préexistante, or en réalité, c'est le désir du lecteur, ce qu'il se passe entre lui et un roman, donc en l'occurrence entre ce texte et moi, avec mespropres références personnelles. Quand je raconte une histoire que j'ai entendue ailleurs, je la transforme... On se laisse traverser, on transmet les choses différemment. Mon langage n'est pas le même que celui d'Olivier Adam. À certains endroits il y a eu une rencontre entre les deux, mais il a été le premier à me dire "Trouve ton film. Ce livre est ma fin. Je suis heureux de ce qu’il provoque en toi. C'est un nouveau parcours qui commence !".

On découvre un autre Japon...

Raconter ce pays différemment était intentionnel. Le film commence sur une vie en France très cadrée, contemporaine. Pour suivre Alice, il était difficile de l'emmener dans un Japon moderne, bruyant, mouvementé. Le film montre la nature profonde du Japon. L'idée n'était pas de l'évoquer tel qu’on le connaît, mais d’en découvrir un espace très particulier, lié à sa culture, qui rencontrerait un esprit occidental. La préparation du film m'a permis d'aller souvent là-bas, de mieux connaître la mentalité japonaise. Sans ces séjours, il est probable que je serais restée à la surface, alors que, là, je n'avais plus à me poser la question de savoir comment j'allais présenter le pays. J’ai arpenté le pays pour m’éloigner de plus en plus de la civilisation, pour finalement trouver ces îles Oki en pleine Mer du Japon, où j’ai découvert les spectaculaires "Red Cliffs", falaises vertigineuses aux couleurs volcaniques. La magie des lieux s’est révélée avec force et évidence, comme s’ils avaient été conçus pour accueillir notre histoire : la maison de Daïsuke, le village de pêcheurs, la petite place de Jirô, la pension de Hiromi, les temples et sanctuaires... Autant d’endroits si étrangers, profondément japonais, qu’on y éprouve instantanément la sensation d’être au coeur du film. Il n’y avait plus qu’à faire venir des acteurs, une caméra et une équipe. Je me suis alors retrouvée devant une toile blanche, le pinceau en main. C’est curieux car, pour Beyond the steppes, on m’avait fait la réflexion que mon style était “calligraphique”, alors que le film n’avait rien à voir avec le Japon ! C’était prémonitoire. J’aime aborder chaque étape du processus comme si c’était le premier trait de pinceau. Le silence interrompu par un simple mouvement. C’est comme si je cherchais à raconter une histoire avec le moins de mots possible, pour que chaque phrase ait une véritable importance, pour rester au plus près de l’impression, de l’émotion. Une forme pure pour se rapprocher du sens.

Pourquoi avoir choisi Isabelle Carré ?

D'abord parce que je trouve que c'est une des meilleures actrices de sa génération ! Isabelle Carré est non seulement une très grande actrice, intuitive et fine, mais elle est également généreuse. Il y avait l'idée de la sortir d'un univers très franco-français. On l'a vue dans des registres différents mais jamais hors de France. La lâcher au Japon, voir ce qu'elle pouvait donner dans un contexte inconnu, m'excitait beaucoup. Je voulais une actrice lumineuse pour aller chercher sa part d'ombre. Elle est déjà apparue dans certains de ses films, je savais qu'elle existait, mais je voulais la creuser un peu plus. La rencontre avec Isabelle m'a d'autant plus convaincue, parce que même si ce projet lui foutait la trouille, elle avait envie de se tester, quitte à devoir en passer par des choses compliquées pour elle. À l'arrivée, c'est ce qu'on voit dans le film : elle dépasse ses propres peurs.
C'est magnifique cette confiance qu'elle a eue en moi. Dans Le cœur régulier, tout repose sur elle. Le fait de partir explorer avec elle des directions inconnues et de l’entrainer dans une aventure différente fait aussi écho à la traversée d’Alice, et donne toute son authenticité à la transformation qu’elle vit. Au fil de son voyage, Alice vit une forme d’éveil au monde, aux sensations et aux gens qui l’entourent. Le cœur régulier et Beyond the steppes ont en commun cette idée de confronter un personnage et son environnement, de voir comment il modifie intérieurement quelqu'un.

Comment s'est passée la collaboration avec Niels Schneider et Fabrizio Rongione ?

Fabrizio est un ami de longue date. Et un acteur formidable. J'avais très envie de travailler avec lui et j'ai été ravie qu'il accepte le rôle de Léo, le mari d'Alice. Il fallait un acteur de sa stature pour donner la bonne nuance à ce personnage, pour qu'on comprenne les raisons de l'éloignement d'Alice, sans pour autant qu'il manque de sensibilité. Et puis, il fallait un acteur qui soit le pôle contraire du frère d'Alice, Nathan. Pour ce rôle, je cherchais un acteur qui ait une aura suffisamment grande pour qu'il marque le film, malgré son absence. La rencontre avec Niels Schneider a eu lieu assez tard dans la préparation du film, mais elle s'est imposée comme une évidence. Il est Nathan de tout son être. C'est un cheval fou, indomptable, mais tellement solaire et généreux. Il apporte au personnage une fougue, une légèreté, et une profondeur aussi. Et puis on sent le passé commun entre frère et soeur. Une complicité instantanée. J'ai eu énormément de plaisir à diriger ces séquences et à voir naître devant mes yeux ce lien fraternel qui vient confronter Alice dans sa propre existence. Nathan traverse le film comme un tourbillon qui emporte tout sur son passage.

Comment avez-vous choisi vos acteurs japonais ?

Face à Isabelle, Jun Kunimura, un acteur japonais à la présence solide et bienveillante, incarne le personnage de Daïsuke. Au-delà de son charisme naturel, il apporte au personnage une force vive, un regard assuré, tout en esquissant ses failles et son côté obscur. La rencontre avec le vrai Yukio Shige a d’ailleurs été très inspirante pour concevoir le personnage, car, contre toute attente, c’est un homme plutôt rustre. Rien à voir avec l’image du moine bouddhiste que l’on pourrait se faire. Au contraire, c’est un type pragmatique qui fait ce qu’il a à faire, par utilité et par devoir. Le personnage de Daïsuke est comme ça au début de la rencontre. Pas très accueillant, taciturne. Il y a presque une déception chez Alice par rapport à ses attentes. Ce n’est qu’au fur et à mesure de l’histoire, et du cheminement d’Alice, que la relation entre eux va s’installer, pour finalement les transformer tous les deux.

Le film force Alice à être dans l'instant présent, telle la philosophie zen. Elle n'est finalement jamais perdue dans ce pays, mais en elle-même...

Je veux croire en un cinéma de sensations et d’impressions. Je m’évertue à développer un univers où l’environnement naturel a une influence déterminante sur le fil narratif et le trajet émotionnel du protagoniste. Lorsque la mort s'invite dans la vie d’Alice, elle prend conscience du vide devant lequel elle se trouve, de l’effort continu et vain qu’elle a déployé jusque là pour se fondre dans un moule qui ne lui a jamais correspondu. Sa décision de partir sur les traces de son frère et la découverte de ce lieu mystérieux la mèneront littéralement au bord du vide, pour ensuite lui permettre, au fil des rencontres, de s'arrêter un temps, d’observer le silence et de s’imprégner de ce monde si différent. Alice se retrouve alors telle qu'elle est : libre, dépouillée de tout ce qui la définit et la conditionne.

N'est-ce pas aussi un voyage spirituel ?

Le film invite à faire ce voyage en évoquant la vie, la mort, le chemin initiatique vers une nouvelle forme de liberté, une ouverture, un éveil. C’est toute ma quête. Et je ne pouvais pas rêver d’un meilleur terrain que le Japon ! La force de la nature, le rapport au silence, la conscience de l'éphémère sont très imprégnés là-bas. C’est ce qu’on retrouve dans la philosophie bouddhiste. Ils vivent dans un environnement naturel hostile, ils sont conscients de la fragilité de la vie. Cette acceptation de notre propre finitude permet de mieux s’installer dans le présent. Et c’est exactement ce que Daïsuke propose à ses hôtes. De réapprivoiser cette conscience du présent.

La mise en scène semble accompagner Alice dans son parcours : d'abord flottante, elle va vers une "régularité" ?

Il y a eu un vrai parti pris dans la manière de filmer Alice. On a travaillé en freefly, un système entre la steadycam et la caméra à l'épaule. Cela permet d'avoir une image stabilisée tout en ayant une sensation de fluidité, d'avoir une phénoménale liberté de travail : mon chef opérateur Ruben Impens (Alabama Monroe, Belgica, ente autres), Isabelle et moi étions dans le mouvement, on avait moins besoin de surdécouper les scènes pour leur donner du souffle. J’attache une profonde importance à l’approche visuelle, au rapport à l’espace, et au mouvement organique de la caméra. Nous avons adopté un langage libre, dans l’idée de recréer ce mouvement de "traversée" qu’effectue Alice d’un monde à l’autre. La caméra adopte bien sûr le point de vue d’Alice dans la majorité des séquences, mais nous nous permettons également l’audace du point de vue radicalement extérieur, pour accentuer son rapport au monde, sa solitude dans sa vie en France, et sa condition d’étrangère au Japon. Et l’on a pu faire un pas en arrière pour laisser de la place aux rôles secondaires. S'il fallait être connecté au monde intérieur d'Alice, ils sont essentiels dans sa transformation. D'où cette distance entre la caméra et elle, à la fois respectueuse tout en la poussant à avancer.

Avez-vous laissé une place à l’improvisation avec Isabelle ?

J’ai toujours fonctionné avec l’idée que la créativité surgit dans l’instant pour se servir au mieux de l’environnement tel qu’il se présente, de la lumière, des couleurs de la nature, mais aussi pour rester au plus près de l’état émotionnel d’un personnage, pour capter l’étincelle du moment, la magie du geste et du mouvement. Et je suis convaincue que cette approche permet, pour ce film en particulier, d’en servir le propos suggestif et de traduire visuellement ce qui dépasse les mots.

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Niels Schneider

Mon opinion

Ce film peut enthousiasmer tout autant que déranger.

Adapté du roman éponyme d’Olivier Adam, paru en 2010, la réalisatrice belge, Vanja d’Alcantara,  met parfaitement en images "Le Japon, le parcours initiatique d'une femme, sa quête intérieure.... ".

Dans le rôle de cette héroïne, Isabelle Carré est remarquable. L'actrice dégage une grande sensibilité, qui ne sera jamais écrasante, mais arrivera toutefois à toucher au plus profond. Concernant son actrice la réalisatrice commente : "C'est magnifique cette confiance qu'elle a eue en moi. Dans Le cœur régulier, tout repose sur elle." Le trouble ressenti est principalement dû à la force de son interprétation face à la fragilité de son personnage.

L'écriture du scénario n'impose aucun dialogue superflu. La mise en scène multiplie les ellipses, pas toujours maîtrisées. La beauté des images, le talent de l'ensemble des comédiens, et le sujet qui met le spectateur face à l'absence et au silence, sont autant de points forts pour se réapproprier l'essentiel, "la conscience de l'éphémère".

"Le film invite à faire ce voyage en évoquant la vie, la mort, le chemin initiatique vers une nouvelle forme de liberté, une ouverture, un éveil".  Telle était la quête de la réalisatrice.

"Le rapport intime au temps, au cadre, au silence, aux gestes, à la géographie, aux éléments...", chers Olivier Adam, trouvent, dans ce film, une belle résonance.  

La rencontre entre Masanobu Andoe et Isabelle Carré, est magnifiquement filmée.

Isabelle Carré a déclaré : "Je ne sais pas ce qui s'est passé mais ce film a été libérateur, j'ai lâché beaucoup de mes peurs."

Un film qui reste difficile de conseiller, mais qui, pour ma part, m'a bouleversé.