Date de sortie 27 mai 2015

Réalisé par Philippe Garrel

Avec Stanislas Merhar, Clotilde Courau, Lena Paugam,

Vimala Pons, Mounir Margoum, Antoinette Moya

Genre Drame

Production Française, Suisse

Synopsis

Pierre (Stanislas Merhar) et Manon (Clotilde Courau) sont pauvres.

Ils font des documentaires avec rien et ils vivent en faisant des petits boulots. Pierre rencontre une jeune stagiaire, Elisabeth (Lena Paugam), et elle devient sa maîtresse.

Mais Pierre ne veut pas quitter Manon pour Elisabeth, il veut garder les deux.

Un jour Elisabeth, la jeune maîtresse de Pierre, découvre que Manon, la femme de Pierre, a un amant (Mounir Margoum). Et elle le dit à Pierre…

Pierre se retourne vers Manon parce que c’est elle qu’il aimait. Et comme il se sent trahi, il implore Manon et délaisse Elisabeth.

Manon, elle, rompt tout de suite avec son amant. On peut supposer que c’est parce qu’elle aime Pierre.

Stanislas Merhar et Clotilde Courau

Extrait d'entretien avec Philippe Garrel par Jean-Michel Frodon.

Relevé sur medias.unifrance.org

L’Ombre des femmes est-il un film plus scénarisé que vos précédentes réalisations ?

Oui ! Après une époque, désormais lointaine, celle de mes films improvisés, j’ai trouvé bien d’avoir des scénarios mais surtout pour des raisons d’organisation et de recherche de financement. Là, c’est la première fois où j’étais content d’avoir un scénario, et où à mes yeux il égalait, en termes d’efficacité, l’époque de l’improvisation. Ce n’était plus utilitaire du point de vue économique, ou un pis aller nécessaire, mais un réel apport au film. Cela avait déjà été un peu été le cas pour Liberté la nuit, mais cette fois j’ai atteint quelque chose de nouveau,  en tout cas pour moi. La mise en place d’un suspense psychologique trouve de nouvelles ressources grâce à l’écriture.

Cette écriture est-elle différente de celle de vos précédents scénarios ?

Oui, certainement du fait de l'arrivée de Jean-Claude Carrière. Il amène une conception du scénario fondée sur le récit, que je n'avais pas avant. J'ai rencontré Carrière à cause de ce qu'il avait fait sur Sauve qui peut (la vie) et lui ai demandé ce que Godart lui avait fourni à l'époque, et comment il avait travaillé. Il m'a dit que Godart lui avait donné l'endroit et les personnages, cette démarche me convenait très bien et on a procédé de la même manière. Avec Arlette Langmann et Caroline Deruas, déjà coscénaristes de La Jalousie, nous avons établi un sujet, et ensuite on l'a confié à Carrière qui a proposé les premiers développements. Ensuite on retravaille beaucoup ensemble, chacun de nous quatre apporte des éléments.

Comment définiriez-vous le projet ?

Le sujet c’est : la libido féminine est aussi puissante que la libido masculine. Pour moi L’Ombre des femmes est un film sur l’égalité de l’homme et de la femme, telle que peut la prendre en charge le cinéma. Ce qui signifie qu’il fallait énormément soutenir le personnage féminin, et aller contre l’homme : le cinéma a été conçu par des hommes et ce sont quand même toujours eux qui orientent nos représentations, nos manières de voir et de raconter même si heureusement il y a de plus en plus de femmes qui font des films. La plupart du temps, quand des femmes s'expriment à l'écran elles disent des mots écrits par des hommes. Mais je crois que le cinéma fonctionne de telle manière que si on met le personnage masculin et le personnage féminin à égalité, le cinéma tend à renforcer la position de l'homme. Pour contrebalancer ça j'ai voulu que le film soit en défense de la femme et à charge contre l'homme. Et du coup à la fin Pierre ne s'en sort pas mal, Manon et lui sont en effet dans un rapport de force égal. Le film est sans doute quand même fait du point de vue d'un homme, mais d'un homme qui va voir ce qui se passe du point de vue des femmes.

Stanislas Merhar

Le scénario joue un rôle central lors du tournage ?

Pas central : pour moi, le cinéma c’est toujours fondamentalement ce qui se passe au tournage, c’est là que tout se joue vraiment. Mais le scénario joue un rôle important, surtout du fait des conditions dans lesquelles sont faits ces films, c’est à dire très vite et  pour très peu d’argent. Un travail très poussé et très précis sur le scénario permet ensuite d’être rapide, de ne pas perdre de temps ni d’argent. Tourner en 21 jours, à Paris  ou tout près, dans l’ordre des scènes, comme le sont La Jalousie et L’Ombre des femmes nécessitent que le scénario soit solide. Il prévoit d’ailleurs aussi le montage : pour travailler dans ces conditions, il ne faut presque rien jeter, tout ce qu’on tourne est nécessaire, et figure dans le film. Le montage proprement dit, ce sont des ajustements à partir de ce qui a été anticipé à l’écriture et fabriqué au tournage d’une manière très proche du résultat final. Mais le scénario ne peut pas, et ne doit pas tout prévoir : il y a des choses qui ne peuvent s'écrire qu'avec la caméra – peut-être les plus importantes. Les vrais risques c'est sur le tournage qu'on les prend.

Ce sont des conditions matérielles  que  vous  subissez,  ou  qui  vous  conviennent voire vous stimulent ?

Elles me conviennent, elles sont la contrepartie d’une totale liberté. Dès lors que je travaille dans ce cadre économique on me laisse faire tout ce que je veux. Si je trouve une méthode de travail adapté, ce qui est le cas, je fais exactement le film que je désire. Les films chers ne peuvent pas se faire sans un contrôle des financiers. Je trouve que nous vivons une époque où il faut prendre en considération ces questions, de toute façon l’économie m’a toujours intéressé. Dès 2011, lorsque la crise de la dette européenne a  pris des proportions importantes, j’ai compris qu’on était entrés dans une époque où il fallait réfléchir différemment, y compris à mon échelle. Depuis, les films sont tournés en  moitié moins de temps, et avec des budgets divisés par 2 par rapport à ce que je faisais avant, qui n’avait déjà rien de dispendieux comparé à la plupart des autres. Il faut  inventer d’autres prototypes. Et j’ai vu que j’y gagnais de la liberté. Mais sur mes films, tout le monde est payé au tarif syndical. J'y tiens absolument. On sait que je n'ai pas un grand public, à peu près le même depuis des décennies, l'économie de mes films est en proportion, donc, c'est sain.

Vous aimez l’austérité ? Vous y trouvez une énergie ?

Je ne le vis pas comme une austérité, mais comme la définition de ce à quoi je tiens le plus.  Je tourne avec les acteurs que je veux, les partenaires techniques que je veux, en répétant beaucoup, je filme et je monte en 35mm, en scope, en noir et blanc. Pour moi ce sont autant de luxes, mais qui sont possibles parce qu’ils trouvent place à l’intérieur du  cadre défini très clairement avec le producteur, Saïd Ben Saïd, et que nous respectons  tous les deux. Je n’échangerais pour rien au monde ma situation contre celle dans laquelle je vois d’autres réalisateurs qui font des films beaucoup plus chers, à travers des crises terribles. Je tiens à ce que l’art m’aide à vivre, il n’est pas question de sacrifier ma vie pour le cinéma. Lorsque j’enseignais au Conservatoire, j’étais effrayé par les élèves qui se disaient prêts à mourir pour l’art, moi je préfère ceux qui sont prêts à vivre pour l'art.

Lorsque vous écrivez le scénario, les personnages ont un visage ?

Non, ce sont des personnages.

Lorsque le scénario est terminé, je choisis un acteur, ensuite j’en cherche un deuxième, en fonction du premier, et ainsi de suite. Dans ce cas, j’ai choisi Stanislas Merhar, avec qui j’avais envie de tourner depuis longtemps, que je trouve magnétique. Je l’ai toujours beaucoup apprécié, surtout dans les films de Chantal  Akerman.

Ensuite j’ai pensé à Clotilde Courau, je l’avais repéré il y a très longtemps, après l’avoir vue par hasard dans un téléfilm, immédiatement j’avais senti sa force. C’est une virtuose, je l’ai su d’emblée. Mais ensuite c’est en faisant l’essai, en les voyant  ensemble lors des essais que j’ai su que c’était tait la bonne réponse pour ce film-là.

Et pour le rôle d’Elisabeth ?

Je fais des essais, des lectures avec Stanislas Merhar et plusieurs jeunes comédiennes, dont Lena Paugam, qui vient du Conservatoire. Je n’y enseigne plus mais je continue de suivre chaque année  les nouvelles promotions, il y a beaucoup de découvertes à y faire. J’ai vu une relation possible et qui me plaisait entre ces deux acteurs, après il faut beaucoup travailler avec chacun. Je ne crois pas à la possibilité de faire faire aux acteurs autre chose que ce qu’ils sont, il faut s’appuyer sur leur propre rapport au personnage et  aux situations, ce qu’ils mettent eux-mêmes en place, et bâtir à partir de cela. Il faut  intervenir sans ou casser, c’est un processus long et complexe, mais passionnant aussi.

Pour la suite de l'interview, cliquez ICI !

Stanislas Merhar et Lena Paugam

Mon opinion

Un film très court, tourné dans l'ordre chronologique en seulement 21 jours. Visiblement, une seule prise pour chaque scène, empêche tout droit à l'erreur. "… C’est toujours fondamentalement ce qui se passe au tournage, c’est là que tout se joue vraiment" déclare le réalisateur

Un budget minimal qui est "la contrepartie d’une totale liberté" avoue Philippe Garrel.

Le scénario explore l'usure de la vie d'un couple et ses relations extra conjugales. L'ensemble est tourné dans des décors sinistres. Le portrait des hommes n'est guère flatteur. Les femmes semblent rester beaucoup plus perspicaces.

Tourné en noir et blanc la photographie de Renato Berta reste lumineuse et absolument magnifique. Une voix off, inutile, vient ponctuer ce que nous voyons à l'écran ou ce qu'il n'était pas difficile de comprendre.

Rien de très nouveau dans le propos et malgré une certaine noirceur, ce film apporte une nouveauté dans tout ce qui a déjà été fait grâce essentiellement à une écriture très personnelle et un Paris loin de tous clichés.

Date de sortie  19 mai 2015

Réalisé par Stéphane Brizé

Avec Vincent Lindon, Yves Ory, Karine De Mirbeck, Xavier Mathieu

Genre Drame

Production Française

La loi du marché

est présenté en Compétition au Festival de Cannes 2015

Vincent Lindon reçoit le Prix d'interprétation masculine.

César 2016 - Vincent Lindon Meilleur acteur.

C'est la première sélection cannoise pour Stéphane Brizé,

avec ce sixième long métrage, après :

Synopsis

À 51 ans, après 20 mois de chômage, Thierry commence un nouveau travail qui le met bientôt face à un dilemme moral. Pour garder son emploi, peut-il tout accepter ?

Entretien avec Stéphane Brizé relevé sur unifrance.org.

Parlez-nous de la naissance du projet.

Mes films ont toujours traité de l’intime mais sans mettre en écho l’homme et son environnement social. L’étape suivante était d’observer la brutalité des mécanismes et des échanges qui régissent notre monde en confrontant l’humanité d’un individu en situation de précarité à la violence de notre société. J’ai travaillé au scénario avec Olivier Gorce que je connais depuis longtemps mais avec lequel je n’avais jamais collaboré. Son analyse et son regard sur les thématiques sociales et politiques sont très pertinentes et il était le compagnon de route idéal pour ce projet.

À quel moment sa forme s’impose-t-elle ?

Très vite en fait. Dès le début de l’écriture, je sais qu’il s’agira d’un film tourné avec une équipe légère et des acteurs non professionnels en face de Vincent.

Je vais même plus loin et je dis à Christophe Rossignon et Vincent Lindon que je veux que nous coproduisions le projet en nous imposant un budget limité, en mettant la majeure partie de nos trois salaires en participation tout en payant l’équipe au tarif normal.

Tous les films ne peuvent pas se faire comme cela mais celui-ci le permettait. Fond, forme et cadre de financement se font écho et j’aime cette cohérence.

Il y a aussi l’affirmation qu’une autre manière de faire des films est possible à un moment où l’industrie du cinéma se questionne profondément sur ses mécanismes de financement. Il fallait aussi que je réinterroge mon dispositif, ma mise en scène, mes thématiques. Ce film est le fruit de cette nécessité.

C’est une étrange intuition que de confronter Vincent Lindon à tous ces acteurs non professionnels.

J’ai l’idée de cette confrontation depuis longtemps. J’avais déjà parfois fait tourner des comédiens non professionnels dans des petits rôles avec à chaque fois le sentiment de me rapprocher d’une vérité qui est la chose qui m’intéresse le plus dans mon travail. Il fallait que je pousse le système plus loin en confrontant un comédien ultra confirmé à une distribution entière de non professionnels. Avec l’idée d’emmener Vincent Lindon dans des zones de jeu pas encore explorées par lui.

Comment avez-vous trouvé ces gens ?

Il y a beaucoup de rôles qui correspondent à des fonctions précises ; les agents de sécurité, la banquière, les agents de Pôle-Emploi, les hôtesses de caisse, etc… Coralie Amédéo, la directrice de casting, a donc cherché en tout premier des personnes qui occupaient la fonction du film dans la vie. J’ai été bluffé par les gens que j’ai rencontrés. Je doute qu’ils sachent faire ce que des acteurs font mais ce qu’ils font, je pense qu’aucun acteur n’est capable de le faire. C’est fascinant de voir des personnes arriver devant un metteur en scène et une directrice de casting, dans un bureau qu’ils ne connaissent pas et imposer avec une autorité sidérante une vérité aussi brute et puissante. D’où leur vient cette capacité à être ce qu’ils sont devant une caméra ? C’est un mystère qui me fascine complètement.

Cela a-t-il modifié le jeu de Vincent Lindon ?

Oui, sans hésitation. Je le connais maintenant assez bien puisque ce film est le troisième que nous faisons ensemble. Je l’ai trouvé formidable dans Mademoiselle Chambon et Quelques heures de printemps mais là, il atteint je crois un niveau de jeu inouï.

Il fait là l’expérience – et je la fais en même temps que lui à mon poste – du lâcher prise.

C’est un travail quasiment sans filet.

Pourquoi quasiment ?

Parce que je sais où j’emmène tout le monde. Je ne les pose pas au hasard dans un endroit en attendant que le miracle se produise. J’ai une carte routière avec les destinations et les endroits de passage.

Il y a dans le film, dans la scène avec ses anciens collègues, la présence de Xavier Mathieu qui était le leader CGT de l’entreprise Continental et que nous avions beaucoup vu dans les médias au moment de la fermeture de son usine.

J’avais vu La saga des Conti, le magnifique film documentaire de Jérôme Palteau qui raconte toute la lutte syndicale au moment de la décision de la direction de Continental de fermer l’usine de Clairoix pour aller en ouvrir une autre en Roumanie. Xavier est le personnage principal de cette lutte. Il m’a impressionné et ému. Alors lorsque j’ai imaginé la scène entre Thierry et ses anciens collègues, j’avais naturellement la personnalité de Xavier en tête. Puis j’ai parlé de lui à Coralie Amédéo, la directrice de casting, non pas pour qu’elle le contacte mais pour lui dessiner le portrait de la personne que je cherchais. Et qui je vois arriver aux essais ? Xavier Mathieu en personne. Coralie l’avait appelé. Il a fait les essais, il était formidable, il a fait le film. La droiture de cet homme est impressionnante. Il est sans concession, je trouve cela extraordinaire dans le monde dans lequel nous vivons. Dans la scène dans laquelle il joue, il est celui qui ne veut pas lâcher la lutte, celui qui veut aller jusqu’au bout du combat longtemps après la fermeture de l’usine.

Thierry/Vincent, lui, veut tourner la page. Pas par lâcheté mais parce qu’il n’a plus l’énergie, parce qu’il sent que pour avoir une chance de rebondir, il faut lâcher le passé. Mais les deux arguments s’opposent et s’entendent.

Comment la technique et notamment l’image trouve-t-elle sa place dans un tel dispositif ?

D’abord j’ai fait le choix de prendre un chef opérateur qui ne fait que du documentaire. Je voulais qu’il ait l’habitude d’être totalement autonome avec le cadre, la mise au point et l’ouverture du diaphragme. J’ai travaillé avec Eric Dumont, un jeune chef opérateur d’à peine plus de 30 ans qui n’avait jamais fait de fiction. Je lui parlais précisément du point de vue de la scène et charge à lui de le traduire en cadres. Il devenait alors complètement acteur de la séquence. Car en fonction de ce qu’il cadrait, il lui imposait un sens ou un autre. Ce qui m’intéressait c’était le point de vue de Thierry/ Vincent. C’est lui qui est au centre du récit. C’est ce qu’il reçoit qui m’intéresse. C’est pour cela que je le filme parfois longuement alors qu’il n’est pas forcément celui qui anime la scène. Je le filme comme un boxeur qui reçoit des coups sans forcément m’attarder sur celui qui les donne. Le choix du cinémascope est d’ailleurs complètement lié à cela car j’avais besoin de parfois faire entrer dans le cadre plus ou moins nettement ce qui se déroule en face ou à côté de Thierry.

Diriez-vous qu’il s’agit d’un film politique ?

"Politique" dans le sens "organisation de la cité", oui. Je regarde la vie d’un homme qui a donné son corps, son temps et son énergie, pendant 25 ans a une entreprise avant d’être mis sur la touche parce que des patrons ont décidé d’aller fabriquer le même produit dans un autre pays à la main d’oeuvre moins chère

Cet homme n’est pas mis dehors parce qu’il fait mal son travail, il est mis dehors parce que des gens veulent gagner plus d’argent. Thierry est la conséquence mécanique de l’enrichissement de quelques actionnaires invisibles. Il est un visage sur les chiffres du chômage que l’on entend tous les jours aux informations. C’est parfois juste une brève de deux lignes mais cela cache des drames absolus. Il ne s’agissait pas par contre de s’égarer dans le misérabilisme. Thierry est un homme normal (même si depuis quelques années, la notion de l’homme normal a été un peu esquintée) dans une situation brutale : Le chômage durant plus de 20 mois après la fermeture de son usine et l’obligation d’accepter à peu près n’importe quel travail. Et quand ce travail place l’individu face à une situation moralement ingérable, que peut-il faire ? Rester et devenir le complice d’un système inique ou partir et retrouver la précarité ? C’est la question du film. La place d’un homme dans un système.

Vous suivez Thierry très longtemps avant de lui faire trouver son travail.

Oui, c’était une idée importante pour moi que de longuement montrer Thierry dans la réalité de son humiliation sociale liée au chômage. Les rendez-vous à Pôle-emploi, les stages qui ne débouchent sur rien, la banque qui fait la morale, l’entretien d’embauche par Skype, etc… Personne n’est vraiment méchant mais chacun à sa place, sans vraiment le vouloir (ou sans trop oser le voir), participe à la violence du monde.

Ce monde c’est le nôtre. Et la durée de cette observation nous permet de comprendre que Thierry n’a absolument plus le choix lorsqu’il accepte son nouveau travail.

Vous ne faites d’ailleurs pas un portrait au vitriol de cette profession souvent caricaturée.

Mais parce que les personnes que j’ai rencontrées ne sont pas du tout caricaturales. Je n’ai pas rencontré de cow-boys qui abusent de leur petit pouvoir. J’ai rencontré des hommes et des femmes tout à fait sympathiques dont le métier est d’éviter le vol dans leur magasin. J’y ai ajouté quelque chose qui n’existe pas dans l’hypermarché dans lequel j’ai tourné qui est que le directeur vire des employés à la moindre petite faute pour ne pas les remplacer et augmenter son chiffre d’affaire.

C’est une invention ou vous aviez entendu cela quelque part ?

Je l’avais entendu il y a longtemps dans un documentaire et j’avais gardé cela en tête. Qu’une entreprise gagne de l’argent c’est une chose. Qu’une entreprise maltraite physiquement ou moralement ses employés pour gagner cet argent, c’en est une autre. Le travail devient une denrée rare. Comme l’eau.

Et les entreprises ont finalement un pouvoir colossal entre les mains. Si l’entreprise est saine, le troc entre elle et l’employé est équilibré. Mais si cette entreprise se comporte comme une dictature qui possède l’arme nucléaire, alors l’employé devient ni plus ni moins que de la chair à canon. Que lui reste-t-il alors de sa dignité ? C’est ce que j’avais ici envie de regarder.

Mon opinion

Immersion totale pour Vincent Lindon, seul comédien professionnel, dans le quotidien d'hommes et de femmes en emplois précaires ou carrément sans travail. Filmé d'une façon quasi documentaire, l'ensemble est implacable, glaçant, et d'un réalisme frappant.

Les longs plans séquences se succèdent et nous entraînent dans la spirale infernale des démarches à Pôle emploi. Pire encore, dans un entretien d'embauche via Skype, dans lequel  les qualifications et l'expérience professionnelle ne comptent plus. Déshumanisation à tous les niveaux, y compris pour des caissières d'une grande surface, épiées en permanence par des caméras de surveillance. Chercher la faute à tout prix, sans accorder la plus petite circonstance atténuante. L'horreur, aussi, lors des entretiens avec la conseillère financière de la banque plus à l'aise pour vendre des "produits" que rester à l'écoute de son interlocuteur.

Dépouillé à l'extrême, la réalisation de Stéphane Brizé est à la fois subtile et d'une incroyable réalité. Les silences sont oppressants. Certains mots adressés à ces êtres humains, résonnent d'une incroyable cruauté.

Le réalisateur n'hésite pas d'appuyer son propos à l'extrême au risque d'écarter certains spectateurs par ce fait de société 

Vincent Lindon est remarquable de bout en bout. Entouré par beaucoup d'amour, seul point positif, son talent suffit à rendre ce film passionnant. D'un cours de danse à la vente d'un mobil-home ou déambulant dans les allées de la grande surface, sa volonté est inébranlable. Rester debout en dépit de tout.

Un grand moment de cinéma qui secoue.

Date de sortie 29 avril 2015

Réalisé par Gunhild Westhagen Magnor

Genre Documentaire

Production Norvégienne, Suédoise

Gunhild Westhagen Magnor a étudié le cinéma à l'Institut d'Art et de Design de Surrey au Royaume Uni. Possédant une formation de réalisatrice et de chef opératrice, elle a la particularité de filmer, caméra à la main, ses propres films en plus de les réaliser.

Synopsis

Les Optimistes est le nom d'une équipe de volley norvégienne hors du commun : les joueuses ont entre 66 et 98 ans ! Bien que ces mamies sportives n’aient pas joué un seul vrai match en 30 ans d’entraînement, elles décident de relever un grand défi : se rendre en Suède pour affronter leurs homologues masculins.

Mais avant cela, il faut broder les survêtements, trouver un sponsor, convaincre l’entraîneur national de les coacher, mémoriser les règles qu’elles ont oubliées, se lever au petit matin pour aller courir…

Croyez-les : être sénior est une chance, et ces Optimistes la saisissent en plein vol !

 Goro Wergeland âgée de 98 ans et Lillemor Berthelsen de 88 ans.

C'est à l'approche de ses trente ans que l'angoisse de vieillir a rattrapé Gunhild Westhagen Magnor. Au même moment, sa propre mère de 72 ans lui a annoncé qu'elle commençait à pratiquer le volley-ball et que la plus âgée de ses partenaires avait 96 ans !

La réalisatrice a donc aussitôt voulu rencontrer l'équipe des Opportunistes. Elle fut très marquée par cette rencontre et souhaita réaliser un documentaire :

"Mon idée était de bousculer les idées reçues autour de l’image que l’on se fait des "seniors". C’est un âge qu’on aborde habituellement sous l’angle de la solitude ou de la maladie.

Au contact de Goro, 98 ans, et de sa vision enthousiasmante de la vie, j’ai donné cette inflexion positive à mon documentaire."

La cinéaste a souhaité aller à contre-courant des représentations.

Son film s'achève sur une scène se déroulant en été alors que les seniors sont majoritairement associés à l'hiver :

"C’est une illustration du cycle de la vie. Je voulais terminer sur l’été car cette saison remplit les gens d’allégresse (...). Je souhaitais clore mon film sur l’idée que la vie continue."

La réalisatrice ne souhaitait pas s'attarder sur les problèmes de santé d'un des personnages. Ni en faire un élément dramatique à la manière d'un film hollywoodien. Elle a privilégié l'aspect collectif de son film et a notamment voulu montrer cette communauté féminine très active.

Gunhild Westhagen Magnor a cherché à filmer une équipe de volley féminine en raison de la faible représentativité du troisième âge au cinéma. La réalisatrice y voyait également le moyen de mieux représenter les femmes ainsi que leur capacité à surmonter des épreuves et à se rassembler.

La réalisatrice a expliqué que si ces femmes se montrent si vivantes malgré leur âge avancé, c'est parce qu'elles ont su se prendre en main et que

"le bonheur est ce qui vous fait paraître plus jeune."

Elle s'est beaucoup attardée sur les visages de ces femmes, notamment en les filmant au ralenti car selon elle, "ils portent l’empreinte du temps passé (...) ils expriment plus d’émotions que ce qui les entoure."

Selon Gunhild Westhagen Magnor, le match de volley final que disputent les joueuses peut être vu comme une métaphore existentialiste, car le sport

"n’est qu’un cadre pour parler des combats personnels qu’il nous faut mener. D’une certaine manière, le match métaphorise cette lutte. Les vieilles dames n’ont pas gagné dans les faits, mais sur le plan personnel, elles ont largement remporté la victoire ! Elles se sont beaucoup amusées, ont relevé le défi. Elles sont même allées jouer à l’étranger, se sont fait de nouveaux amis. L’expérience en elle-même est plus importante que le match."

Solveig Sæthersdal  et Goro Wergeland 

Mon opinion

Un documentaire à nul autre pareil.

Des femmes âgées de 66 à 98 ans, nous font partager leur entraînement au sein d'une équipe de volley. Un sport qu'elles pratiquent en amateur depuis de nombreuses années.

Pas question de s'attarder sur les maux qui accompagnent le temps qui passe. Si certaines dévoilent un pan de leur intimité dans des intérieurs cosy, nous ne saurons rien de leur passé ou de leurs blessures. Un regard sur une photo, un baiser sur une autre. Rien de plus.

Le spectateur reste le témoin privilégié de cet acharnement de vivre pleinement l'instant présent et d'aller jusqu'au bout du possible. Sans apitoiement. 

La réalisatrice filme longuement ces visages ridés, certes, mais ils illuminent ce documentaire de la première à la dernière image.

À votre santé mesdames, et merci pour votre enthousiasme communicatif.