Date de sortie 18 novembre 2015

Réalisé par Laurent Larivière

Avec Louise Bourgoin, Jean-Hugues Anglade, Anne Benoit,

Laurent Capelluto, Nina Meurisse, Nathanaël Maïni

Genre Drame

Production Française, Belge

Réalisateur et scénariste, Laurent Larivière a réalisé six courts-métrages, sélectionnés et primés en festivals (Belfort, Pantin, Villeurbanne, FID Marseille, Hors-Pistes Beaubourg, Rotterdam…). Il crée également des images pour le théâtre et la danse.

Présenté dans la catégorie Un Certain Regard au Festival de Cannes 2015 Je suis un soldat est son premier long-métrage.

Le réalisateur s'est déjà fait un nom avec ses courts et moyens-métrages, dont les plus connus J’ai pris la foudre en 2006, et Les larmes en 2010 ont été très remarqués. "N'ayant pas fait d'école de cinéma, les court-métrages ont été le lieu de mon apprentissage. Dans chacun d’eux, il est question d’une libération : il s’agit toujours pour le personnage principal de résoudre une énigme intime qui lui permette d’accéder à une conscience nouvelle. Mais dans Je suis un soldat l’héroïne affronte pour la première fois le monde réel. Je progresse." déclare Laurent larivière.

Synopsis

Sandrine (Louise Bourgoin), trente ans, est obligée de retourner vivre chez sa mère (Anne Benoit), vendeuse dans une grande surface à Roubaix.

Sans emploi, elle accepte de travailler pour son oncle (Jean-Hugues Anglade) dans un chenil qui s’avère être la plaque tournante d’un trafic de chiens venus des pays de l’est.

Elle acquiert rapidement autorité et respect dans ce milieu d’hommes et gagne l’argent qui manque à sa liberté.

Mais parfois les bons soldats cessent d’obéir.

Louise Bourgoin et Jean-Hugues Anglade

Extraits de l'entretien relevé dans le dossier de presse avec le réalisateur Laurent Larivière.

Je suis un soldat traite d’un sujet très contemporain.

J’avais envie de parler de la honte sociale et de ce sentiment d’échec qui pousse quelqu’un à revenir dans le giron familial après avoir tenté, sans succès, de se construire un avenir meilleur ailleurs. Dans le film, loin du refuge escompté, la famille devient paradoxalement le lieu d’un affrontement et d’une déperdition.

La famille de Sandrine est elle-même porteuse de la honte que vous évoquiez : Martine, la mère, vendeuse dans un supermarché, est victime du harcèlement de sa très jeune supérieure, qui la tutoie et la rudoie. Audrey, la soeur, est une modeste employée de mairie et son mari, multiplie les CDD sans espoir d’embauche.

Tous sont victimes du déterminisme social auquel la jeune femme a tenté d’échapper et son retour parmi eux rompt l’équilibre qu’ils ont fondé autour du fantasme de sa réussite. Absente, elle manquait - comme tous ceux qui partent, elle était "l’enfant préféré" - revenue, elle attise les frustrations.

Dès la première scène, lorsque Sandrine rend les clés de la chambre de bonne qu’elle occupait en essuyant les réflexions humiliantes de l’agent immobilier, on sent la violence intérieure qui anime la jeune femme ; une violence encore aggravée par l’accueil que lui réserve sa mère : elle est heureuse de revoir sa fille mais n’a ni temps ni place pour elle.

Sa mère part travailler et sa chambre de jeune fille est occupée par sa soeur et son beau-frère. Elle l’accepte et se résigne à dormir sur le canapé. Mais toute cette tension rentrée, cette solitude extrême dans laquelle se trouve le personnage est en permanence contrebalancée par l’amour, réel, qui circule dans cette famille. Aucun de ses membres n’est d’une seule pièce.

Cette ambivalence est presque la source du malaise grandissant de l’héroïne…

Durant la majeure partie du film, Sandrine répond aux désirs des autres. Il n’y a pas de place pour elle ? Elle l’assume. Lui fait-on comprendre qu’elle doit trouver du travail ? Elle en cherche. Son oncle lui propose-t-il une place dans son chenil ? Elle s’en accommode. Et se trouve embringuée dans un trafic d’animaux. Elle suit son oncle : en cherchant à satisfaire ses proches et à se reconstruire en leur sein, elle s’autodétruit peu à peu.

À aucun moment, Sandrine ne se pose des questions face à la façon dont sont traités les chiots exportés illégalement de Slovénie et de Pologne via la frontière belge.

Sandrine ne se préoccupe pas de morale. Par exemple, elle ne considère jamais ou presque la violence faite aux animaux : comme s’il s’agissait de l’ordre des choses, d’un mal nécessaire. Pour elle comme pour beaucoup d’autres, nécessité fait parfois loi.

Peu de gens connaissent ces trafics qui font le bonheur des animaleries.

Je les ai moi-même découverts un peu par hasard. Avec François Decodts, mon coscénariste, nous ne voulions pas que ce soit le sujet du film mais un cadre qui nous permette de suivre au plus près la trajectoire de nos personnages en faisant écho à leur propre violence. Cependant c'est une réalité très cruelle et très prolifique. J'ai lu un article dans le journal Libération où, selon WWF, le trafic d'animaux domestiques ou sauvages se situe au 3^ème rang mondial des trafics après celui de la drogue et des armes. Il représenterait 15 milliards d'euros.

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Et la France est le pays d'Europe qui compte le plus grand nombre d'animaux domestiques avec notamment 8 millions de chiens... Et seuls 150 000 chiens des 600 000 vendus chaque année en France proviendraient d'un élevage français déclaré. Ça laisse de la marge pour les importations des pays de l'Est où il existe de véritables usines à chiots.

Au-delà de cette réalité, le trafic est devenu pour nous une sorte d'allégorie de la cruauté contemporaine.

En s’imposant peu à peu dans le monde exclusivement masculin et marginal que fréquente Henri, son oncle, Sandrine finit par ressembler à ces hommes et se met à organiser parallèlement son propre trafic.

L’aurait-elle fait si Henri ne s’était pas montré si violent après qu’elle a acheté des chiots en mauvaise santé qu’il lui demande de rembourser ? Sans doute pas. En faisant cela, Sandrine pense gagner sa liberté. Mais elle fait le mauvais choix. Ce qu’elle prend pour son salut n’est qu’un pas de plus vers l’autodestruction. Sandrine se bat sur tous les fronts – contre ses origines, contre les circonstances et contre la réalité du monde- mais elle ne dispose que d’armes fragiles. Seuls, son instinct et sa force intérieure finiront par triompher de la confusion dans lequel elle se débat à ce moment précis. Comme si pour elle, le monde était doté d'une hostilité de principe.

Elle pourrait saisir la main que lui tend Pierre, le vétérinaire. Il est amoureux d’elle, est le seul à la regarder vraiment et à percevoir son mal-être.

Mais elle ne le fait pas. Elle ne peut ni recevoir son désir, ni entendre ce qu’il lui dit : sa solitude l’enferme dans une spirale implacable. Elle ne peut que retourner la violence contre ellemême. Elle l'accumule, par strates : c’est le ratage à Paris et le retour, moins léger que prévu, puis la violence des affaires auxquelles elle est mêlée et l’horreur de ces animaux morts que son oncle lui demande de brûler. À cela s’ajoute encore, la brutalité de l’intervention des douanes sur l’autoroute, et le fait que son oncle manque de l’étrangler. Elle pourrait tout arrêter, elle n’en a pas la force. Ce n’est que parvenue à un point de non retour, et alors qu’elle a perdu tout espoir, qu’elle peut enfin espérer se trouver... et se sauver. Oui, c’est comme un rite de passage. En frôlant la mort, elle comprend que la reconnaissance de son existence ne peut passer que par elle et non par sa famille : les liens sont également des entraves. Cette idée illustre aussi - qu'il faut parfois mourir à soi - même pour commencer à exister et à dire "Je ".

Le film est entièrement construit autour de ce paradoxe.

Tous les personnages de cette famille, y compris celui d’Henri, ont une épaisseur, une densité et une complexité à laquelle je tenais beaucoup. Malgré leurs difficultés et malgré leur ambiguïté, ils sont capables d’amour et de solidarité. Une simple partie de cartes entre la mère et ses filles devient tout à coup un moment de joie qui permet d’affronter la perspective du lendemain.

Ce ne sont pas des miséreux, ils se battent, ils sont vivants et ils ont des désirs.

Ils peuvent également être enclins à de violents accès de désespoir, comme dans cette scène magnifique où le beau frère de Sandrine se met à démolir les murs de la maison qu’il ne parvient pas à terminer.

"Comment font les autres ?", hurle-t-il. Sandrine parvient à le calmer en entamant à son tour les fondations de la construction. Elle lui sert d’effet miroir. Et vice-versa. Car c'est une délicate question posée à Sandrine qui s'en sort dorénavant en trafiquant. D'où une seconde interrogation qui en découle : "Jusqu'où est-on prêt à aller pour trouver une place dans la société ?". Leurs situations se font écho, chacun y apportant des réponses différentes.

Martine, la mère, interprétée par Anne Benoit, incarne très bien les contradictions des protagonistes : elle est aimante et droite, résignée à son sort tout en s’accommodant des petits arrangements de son frère et en fermant plus ou moins consciemment les yeux sur ce qui arrive à sa fille…

Martine balance perpétuellement d’un mouvement à l’autre. Elle est affectée par le manque de confiance de Sandrine qui lui a caché ses difficultés et profondément bouleversée par ce qu’elle apprend sur son frère. Mais elle ne peut jamais se résoudre à trancher complètement. Elle reste toujours dans une certaine ambiguïté. Anne Benoit lui confère une sensibilité, une fragilité et une porosité inouïes.

Sa présence apporte beaucoup de douceur et de contraste au film.

Quoique tendu, assez noir et âpre, je ne voulais pas qu’il soit d’une seule couleur. Il fallait ménager des respirations, introduire de brefs moments de répit. La violence qui court tout du long n’empêchait pas certains moments de grâce.

Henri, qui se conduit comme une sorte de « parrain » dans cette famille, est un formidable personnage de film noir.

Il est plein de zones d’ombres : à la fois rude, égocentrique et manipulateur, mais aussi attachant et réellement lié à sa famille ; un lien assez brutal – il la "tient" en glissant des billets aux uns et aux autres. Henri est finalement le seul à ramener concrètement Sandrine à la réalité de son échec. "Pourquoi partir ? Tu vois bien ! Tu es revenue !", lui répond-t-il lorsqu’elle lui demande s’il n'a jamais songé à tout quitter. Il n’a aucune empathie, aucune capacité à voir l’autre. Il utilise sa nièce comme un soldat : c’est elle qui frotte, c’est elle qui porte les sacs, et c’est elle qu’il envoie au front pour faire fructifier son trafic.

Il entretient des rapports presque incestueux avec sa soeur et sa nièce.

Dès l’écriture du scénario, il était clair pour moi qu’Henri et Martine avaient une relation un peu trouble. Mais je ne voulais rien appuyer, c'est à peine si j'en ai parlé aux acteurs. Il fallait que ça transpire, que ça passe par les corps. Celle qui se construit avec Sandrine s’est insinuée au fur et à mesure du tournage, comme une violence supplémentaire faite à la jeune femme ; une menace sourde qui constituerait un obstacle de plus à sa quête de liberté. Après la nuit passée sur l’autoroute et quoiqu’elle ait appelé Pierre à l’aide, c’est au secours d’Henri qu’elle vole quand les deux hommes se sautent à la gorge. Il transpire quelque chose de volontairement sensuel dans la scène où elle le soigne : elle lui passe la main dans les cheveux, il lui caresse délicatement la sienne… Dans la scène suivante, il la couche sur le bureau en menaçant de l’étrangler. On est en droit d'y voir des images suggestives !

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Louise Bourgoin, qui interprète Sandrine, est, pour beaucoup, à l’origine du film.

Elle était venue voir un de mes spectacles au théâtre et j’ai découvert quelqu’un de très différent de la projection que je m'en étais faite. Nous sommes devenus amis. Elle et moi venons du même milieu social. Mes préoccupations faisaient écho en elle. J’ai vraiment écrit mon scénario en pensant à Louise : je pressentais qu’elle avait une colère à exprimer qu’on ne lui avait encore jamais vue à l’époque au cinéma.

Etait-elle au courant de votre projet ?

Je ne voulais pas qu’elle se sente obligée de quoi que ce soit. Elle m’a demandé d’en lire une version un jour et m’a rappelé, enthousiaste. C’est seulement là que je lui ai avoué avoir écrit le rôle pour elle. "Je n’osais pas l’espérer," m’a-t-elle dit. Je pensais que la comédienne à qui tu donnerais ce rôle aurait beaucoup de chance. C’est moi qui suis chanceux. Louise a un instinct de jeu absolument dingue.

Vous êtes très économe de dialogues.

Je ne les utilise qu’en dernier recours. Je travaille beaucoup la structure de mes films : pour moi, le sens et l’émotion doivent naître des images et de la collision d’une scène avec une autre. Quand mes personnages parlent, c’est uniquement pour évoquer des questions concrètes, pas pour étaler leurs états d’âme.

Le son et la musique jouent également un rôle très important.

Le son est au diapason de ce que traversent intérieurement les protagonistes : leur tension se matérialise par des stridences, des sons étouffés ou saturés qui viennent court-circuiter les rumeurs de la vie normale. Avec Martin Wheeler, qui a composé la musique du film, nous voulions trouver une mélodie qui adhère étroitement au chemin que se fraye Sandrine pour sortir du chaos où elle se trouve : la clarinette basse, qui est utilisée dans le film, apporte la gravité, le souffle et l’élan qui la caractérise.

Pourquoi avoir souhaité mettre Quand revient la nuit, cette chanson des années soixante de Johnny Hallyday qui inspire le titre du film ?

C’est toujours cette idée d’introduire un moment de légèreté au milieu de l’âpreté des événements. J’avais envie d’une pause musicale et j’ai été séduit par cette mélodie et la voix qu’a Johnny Hallyday à cette époque. Et puis le texte parle de lui-même.

Mon opinion

Tout le contraire de ce à quoi je m'attendais.

Pour son premier long-métrage, Laurent Larivière saura éviter avec une grande subtilité une cruauté visuelle trop appuyée. Il est bien question de ce monstrueux trafic de chiots, en provenance des pays de l'Est, qui transitent via la Belgique.

Les mauvais traitements, les fraudes qui s'en suivent, et l'enrichissement scandaleux pour les trafiquants, seront l'un des points cruciaux du film. Le scénariste réalisateur met tout son talent dans une étude approfondie et soignée des principaux personnages. Deux mondes qui se côtoient. Deux univers opposés dans lesquels se mêlent des situations écœurantes pour certaines, d'honnêteté, voire de candeur pour d'autres.

Nous découvrirons tour à tour leurs failles, leurs qualités, leurs peurs, leurs souffrances. L'espoir d'une autre vie, aussi.

Sandrine, étonnante Louise Bourgoin se trouvera, d'une part, confrontée au questionnement d'une mère bienveillante et quelque peu crédule. D'autre part elle fera face à un oncle enrichi  à l'insu de toute sa famille, par cet horrible trafic. Un oncle qui tente de racheter sa conduite maffieuse derrière une belle apparence, celle d'un frère et d'un oncle parfait. Un homme qui se voudrait respectable. Il fera preuve de bienveillance, voire d'une belle générosité financière envers sa famille dans le besoin. L'urgence dans laquelle celle-ci se trouve la rend peu scrupuleuse devant cette prétendue générosité. Dans ce rôle, Jean-Hugues Anglade est remarquable.

Pour ce premier long-métrage, et un casting parfait, Laurent Larivière frappe un grand coup !

Date de sortie 18 novembre 2015

Réalisé par Justin Kurzel

Avec Michael Fassbender, Marion Cotillard, David Thewlis,

Paddy Considine, Jack Reynor, Elizabeth Debicki, Sean Harris

Genre Drame

Production Britannique, Française, Américaine

Décorateur de théâtre réputé en Australie, Justin Kurzel a toujours été attentif à l’esthétique des spectacles qu’il met en scène. Son film de fin d’études, Blue Tongue, a été sélectionné dans de nombreux festivals, comme la Semaine de la Critique à Cannes, New York et Melbourne, où il a remporté le prix du meilleur court métrage.

Il signe son premier long métrage Les crimes de Snowtown, qui décroche le prix du public au festival d’Adelaïde. Le film est présenté dans une quinzaine de festivals du monde entier, dont Toronto et la Semaine de la Critique.

Justin Kurzel est aussi réalisateur de publicités et de clips. Sa campagne pour The Earth Hour lui a valu le Titanium Award au Cannes Lins, tandis que le spot qu’il a réalisé pour le British Council a remporté le prix de Bronze au Cannes Lions.

Synopsis

Écosse. XI^ème siècle.

Macbeth (Michael Fassbender), chef des armées, sort victorieux de la guerre qui fait rage dans tout le pays.

Sur son chemin, trois sorcières lui prédisent qu’il deviendra roi.

Comme envoûtés par la prophétie, Macbeth et son épouse (Marion Cotillard) montent alors un plan machiavélique pour régner sur le trône, jusqu’à en perdre la raison.

Marion Cotillard et Michael Fassbender

Macbeth est sans doute l’une des oeuvres les plus célèbres de Shakespeare. Depuis sa toute première parution il y a quatre siècles, la pièce a été fréquemment adaptée ou modernisée sur scène, au cinéma ou à la télévision. Le récit tragique de ce général écossais, dévoré par l’ambition et par son destin royal, fascine depuis longtemps comédiens, metteurs en scène et spectateurs. Au cinéma, il a donné lieu à plusieurs adaptations signées notamment Orson Welles en 1948 ou Roman Polanski en 1971.
Face à l’émergence d’une nouvelle génération de grands comédiens anglais de théâtre, de télévision et de cinéma, les producteurs Iain Canning et Emile Sherman, de See-Saw Films, ont estimé que le moment était venu de proposer une nouvelle lecture de la pièce.

"Des comédiens comme Tom Hiddleston (Othello) et Jude Law (Hamlet et Henri V au théâtre notamment) campent le premier rôle dans des pièces de Shakespeare", note Iain Canning. "Je trouve intéressant de voir cette nouvelle génération se réapproprier le répertoire shakespearien et redécouvrir sa signification."

Le moment était également opportun sur le plan des thèmes abordés dans la pièce : en effet, l’avidité et ses ravages sont plus que jamais d’actualité.

Jack Reynor, qui campe Malcolm, souligne : "L’avidité est un fléau qui peut corrompre des millions de gens et détruire leur vie. Autant dire que l’histoire de  Macbeth  est particulièrement bouleversante quand on a en tête le climat économique de ces dernières années."

Pour les producteurs, la mondialisation actuelle permettait aussi d’accentuer l’envergure de l’intrigue et de donner au film une dimension moderne. "Ce qui m’a semblé très fort dans cette adaptation, c’est l’importance du collectif et l’existence d’un vaste monde dans lequel évoluent nos personnages", souligne Iain Canning. "Nous avons davantage mis en évidence le fait que Macbeth et Lady Macbeth habitent un monde, qu’ils en sont le produit et que leurs décisions peuvent le transformer. Nous avons donc adopté un point de vue beaucoup plus moderne et cinématographique."

En revanche, la production tenait particulièrement à préserver la langue de Shakespeare. "On aurait abouti à un résultat extrêmement différent si on n’avait pas respecté l’usage des vers", reprend le producteur. "Notre défi à consisté à opérer quelques coupes dans la pièce aux endroits les plus pertinents, puis à constituer une équipe capable de faire oublier au spectateur qu’il assiste à une oeuvre classique à la langue archaïque."

"C’était jubilatoire d’observer Justin diriger ses comédiens. J’avais l’impression d’assister à une master-class. Les comédiens se sont presque instantanément adaptés à son rythme, et en très peu de temps, ils ont accepté de lui faire confiance et de répondre à ses demandes. Ensemble, ils ont exploré les recoins les plus sombres de l’âme humaine. À cet égard, Justin est un véritable directeur d’acteurs."affirme Laura Hastings- Smith.

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"Nous avons abordé la pièce avec simplicité", précise Michael Fassbender, interprète du rôle-titre. "Nous n’avons jamais cherché à bousculer le texte en vers, ou à le contourner, mais nous avons privilégié la sobriété et la proximité.

D’entrée de jeu, Justin Kurzel voulait établir un rapport beaucoup plus intime avec le texte que dans les précédentes adaptations, tout en restant fidèle à l’oeuvre. Comme avec n’importe quel scénario, on ne cherche pas à saboter ce texte magnifique, mais à l’utiliser dans le jeu et se l’approprier."

Justin Kurzel souligne : "On a tourné le film en vers, et ce n’est pas la même chose de donner la réplique à un partenaire en face de soi, et de jouer sur scène devant un public. Je crois qu’il se passe quelque chose lorsqu’on a un comédien face à soi et que la caméra s’approche au plus près des acteurs. On ne joue plus pour un large public, mais dans un cadre beaucoup plus intime."

"On a le sentiment que Lady Macbeth est un peu distante des autres femmes de cette communauté à laquelle elle appartient, comme si elle avait d’autres priorités qu’elles. Cela donne davantage de densité au rôle, et si on y ajoute la prestation stupéfiante de Marion Cotillard, l’approche du personnage est totalement nouvelle." constate la production.

Jack Reynor en convient : "C’est parfaitement logique qu’elle ait gardé son accent d’origine, et cela apporte une dimension nouvelle au projet. Elle est d’une force peu commune et, à certains moments du film, c’est elle qui prend le pouvoir. C’est un honneur d’avoir partagé l’affiche avec elle." Justin Kurzel explique que la comédienne a beaucoup travaillé pour se familiariser à la langue de Shakespeare, malgré la barrière de la langue. "C’était un formidable effort de sa part car la versification anglaise lui était totalement étrangère. Quand je l’ai contactée – et Michael et moi avions vraiment envie qu’elle participe au film, elle ne pensait pas qu’elle aurait un jour une telle opportunité et, du coup, elle n’a pas pu refuser."

Jack Reynor incarne Malcolm. Sans formation théâtrale classique, l'acteur était séduit par l’équipe déjà constituée : "Je connaissais Michael avant le tournage et je m’entendais très bien avec lui. Au départ, j’ai donc sauté sur l’occasion de travailler avec lui. Par la suite, j’ai appris que Justin Kurzel allait réaliser le film, et il se trouve que j’avais vu Les Crimes de Snowtown. Je m’étais dit que c’était une représentation extrêmement sombre, mais captivante, de cette région du monde et de la société australienne. J’étais donc certain que, sur le plan esthétique, il s’en sortirait très bien. " confie-t-il.

Jack Reynor a été intéressé par l’évolution de Malcolm tout au long du film. "C’est un jeune homme qui cherche à devenir un homme et à faire face à ses responsabilités. C’était intéressant de garder en tête l’idée qu’à la mort de son père, il s’effondre et redevient un petit garçon vulnérable, et que dans le même temps, il doit ensuite se ressaisir et s’endurcir pour assumer ses responsabilités."

L'acteur  a particulièrement apprécié de donner la réplique à David Thewlis, qui incarne Duncan. "La toute première fois que je suis allé au cinéma, c’était pour un film avec David. C’était extraordinaire de me trouver sur le même plateau que lui. Il a campé Duncan comme un homme timide et un roi peu sûr de lui. On éprouve de la compassion pour lui, on pleure sur son sort, car son seul crime est de ne pas être aussi fort que l’était son père."
Iain Canning ajoute : "En général, pour Duncan, on a tendance à choisir un acteur beaucoup plus âgé que Macbeth. De notre côté, on voulait trouver un comédien qui représente un défi physique et psychologique à Macbeth, mais qui soit son contemporain. David s’est imposé dans le rôle de Duncan car il lui apporte un mélange de force et de fragilité, donnant au personnage une vraie densité qu’on ne voit pas souvent."

Si Lady Macbeth est écossaise, la présence de Marion Cotillard apportait une dimension supplémentaire au film. "C’est ce qui nous a permis d’avoir un personnage central qui possède une part de mystère", constate Ian Canning.

"Je ne pouvais pas laisser passer la chance d’interpréter ce personnage en anglais, renchérit la comédienne. Nous avons tous travaillé la langue avec Neil Swain qui, bien plus qu’un répétiteur, est surtout un spécialiste de Shakespeare. Avec lui, nous nous sommes immergés dans l’univers shakespearien, et il ne s’agissait donc pas seulement de trouver le bon accent, le rythme et l’énergie nécessaires."

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"J’étais sûre qu’un jour je jouerais Lady Macbeth, souligne l’actrice qui a une proximité rare avec l’Écosse et la pièce. Mais je pensais que je le ferais en français et sur scène. Quand on m’a proposé ce projet, j’ai été surprise, pour ne pas dire autre chose."

"On a dû faire un gros effort, car Shakespeare peut être difficile à comprendre, même pour des Anglais,"  déclare l'actrice.

"Mais cela a suscité une énergie qui nous a galvanisés tout au long du tournage."

"Justin instaure une vraie complicité sur le plateau, et chacun a envie de lui faire confiance. Il est époustouflant dans le travail, et je suis convaincu que tous ceux qui ont participé à l’aventure lui font une confiance totale. C’était effrayant. Mais sans ce type de difficulté, cela n’en aurait sans doute pas valu la peine, et j’ai adoré relever ce défi. C’était formidable de pouvoir jouer en vers avec ces partenaires, qui n’avaient pas reçu de formation shakespearienne classique." indique Jack Reynor.

En revanche, le texte en vers met en valeur l’une des grandes forces de Shakespeare : la langue comme outil de manipulation. Et dans Macbeth, la manipulation est permanente : "Quand on voit Michael avec Marion, ou Michael et Paddy Considine, on a le sentiment d’être dans Les Affranchis, car ces personnages cherchent à manipuler leur interlocuteur de manière intelligente et sournoise", explique le réalisateur.

Il y a là un sous-texte qui reste dans le non-dit, et ce qui est captivant dans Macbeth, c’est que la tension souterraine se manifeste sans artifice.

Tandis que les scénaristes s’attelaient à l’adaptation de la pièce, les producteurs ont cherché l’interprète de Macbeth, choix déterminant pour l’ensemble du tournage.

"Après Shame, on avait vraiment envie de retravailler avec Michael Fassbender," indique Iain Canning. "Alors qu’on travaillait sur l’adaptation, on s’est dit qu’on lui enverrait à tout hasard le scénario. Mais plus on y pensait, plus on se rendait compte qu’il était le seul correspondant à nos attentes."

De son côté, Michael Fassbender, qui s’est imposé rapidement comme l’un des comédiens les plus doués de sa génération, a aussitôt décelé le potentiel de cette nouvelle adaptation. "C’était captivant de bout en bout, note-t-il. C’est un texte extraordinaire et ce genre d’occasion ne se présente qu’une fois. Du coup, j’ai tâché de me préparer de mon mieux et de soulever toutes les questions que je pouvais me poser afin de ne rien laisser au hasard"

Iain Canning estime que Michael Fassbender donne une véritable humanité au personnage : "Son interprétation n’a rien de théâtral : on cerne parfaitement l’état d’esprit de cet homme. Ce qui est sidérant, c’est qu’on voit sa folie prendre corps. On sait qu’on ne peut rien faire pour lui et qu’on ne peut pas l’aider, si bien qu’on assiste aux événements en train de se dérouler – ce qui peut surprendre dans une pièce que chacun connaît assez bien. Elle recèle encore de surprises et d’émotions."

Une fois Michael Fassbender engagé dans l’aventure, il a fallu trouver un réalisateur à la hauteur du comédien et capable d’apporter une dimension nouvelle au texte. La présence de Michael Fassbender au casting a suscité de nombreuses convoitises. "Avec Michael dans la distribution, beaucoup de réalisateurs se sont portés candidats", indique la production.

"Justin Kurzel a réussi à faire exister un monde qui s’appuie sur son expérience du théâtre et qui offre un éclairage authentique sur l’époque médiévale. Mais le film se déroule dans un univers proche du Far West, comme un western. C’est un monde difficile, où les habitants tentent de survivre, et je pense que Macbeth choisit la voie du meurtre pour avoir une vie meilleure dans un monde hostile" déclare Iain Canning.

Justin Kurzel a mis au point cet univers grâce à ses recherches, en se focalisant notamment sur la véritable histoire du monarque. "À quoi ressemblait cette époque ? Était-elle particulièrement violente ? Cela m’a beaucoup fait penser à un western, et l’atmosphère m’a semblé beaucoup plus effrayante que dans les adaptations antérieures de la pièce."s’interroge-t-il. Mais c’est en découvrant Macbeth sous les traits d’un guerrier que le réalisateur a eu envie de participer au projet. "Le spectre de la guerre plane sur les personnages et ce film m’offrait donc l’opportunité de transposer ce climat de manière cinématographique. Comment Macbeth se comporte-t-il en temps de guerre ? Est-il un produit de la guerre ? En quoi cela influence-t-il son ambition de devenir roi ? C’était passionnant de voir un personnage tenter de substituer à son traumatisme, et à sa peine, son obsession pour les liens du sang." note le réalisateur.

La présence de Michael Fassbender a achevé de convaincre Justin Kurzel. "Je ne me serais pas engagé sans Michael. Je l’ai rencontré après avoir terminé mon premier film : c’est l’un des meilleurs acteurs de sa génération, et de très loin, si bien que j’avais envie de travailler avec lui pour ses qualités humaines et artistiques. Dès que j’ai appris qu’il avait donné son accord, je n’ai pas hésité une seconde à m’embarquer dans l’aventure." confie-t-il.

D’ailleurs, c’est après la découverte par Michael Fassbender des Crimes de Snowtown – et avant même que l’idée de confier la réalisation du film à Justin Kurzel ne soit évoquée – que l’acteur a demandé à son agent d’organiser un rendez-vous. "J’ai immédiatement eu envie de travailler avec lui. En me fiant à ce que je percevais chez lui sur un plan personnel et à nos conversations, j’ai compris qu’on allait s’entendre. Tout est parti de là, et l’amitié et l’estime que je lui porte, à titre professionnel et personnel, n’ont fait que croître. Sa compréhension subtile du texte et la précision de son regard m’ont guidé à chaque pas " reconnaît Fassbender.

Marion Cotillard et Michael Fassbender

Le film a été tourné en sept semaines – soit 36 jours pour être précis – et intégralement en décors extérieurs, sauf pendant six jours. "L’authenticité était un objectif prioritaire pour le réalisateur, qui tenait à créer un monde parfaitement crédible et cohérent, et il en parlait d’ailleurs comme d’un univers de western" note Laura Hastings-Smith. L’aridité du monde de Macbeth fait du paysage un personnage à part entière et, du coup, il était essentiel de tourner au coeur de ce paysage. Justin Kurzel souligne : "On a délibérément choisi de tourner le film en extérieurs, et cela nous a posé beaucoup de difficultés, mais a ancré l’histoire dans la réalité et a établi un lien entre le cadre naturel, les dialogues et le jeu des comédiens, et c’est ce qu’on ressent dans le film. Cela donne un côté réaliste et concret à l’ensemble, ce qui est inédit dans un film en vers."

Le tournage a présenté de nombreux défis, et notamment parce qu’il a fallu tourner en extérieurs en plein hiver. "À un moment donné, on a eu l’impression d’être jugé par William Shakespeare en personne. Soit il soutenait de temps en temps notre démarche, et il faisait en sorte qu’on ait la météo adéquate pour les scènes de tempête – et il se trouve qu’on tournait ces scènes au moment où la Grande-Bretagne subissait les pires conditions climatiques de son histoire. Soit, il voulait tout simplement qu’on interrompe le tournage !",  plaisante Ian Canning.

Selon Laura Hastings-Smith, c’est Michael Fassbender qui, en se plaçant en tête, a aidé ses partenaires et les techniciens à affronter les conditions climatiques difficiles. "Il s’implique tellement dans ce qu’il fait, il est d’une telle force physique et tellement focalisé sur son personnage, qu’il était un vrai chef pour nous tous". On se disait que si Michael y arrivait, on pouvait y arriver nous aussi."dit-elle.

D’ailleurs, tous les comédiens ont fait face aux difficultés climatiques sans jamais se plaindre : "Marion a dû tourner des scènes hallucinantes, pieds nus dans la lande et sous la grêle. Elle est, elle aussi, une grande professionnelle. Je crois que c’est parce qu’ils croyaient au film, et qu’ils croyaient en Justin – qui ne les a jamais lâchés – qu’on a obtenu ce qu’on voulait."
Marion Cotillard ajoute : "Lorsqu’on est porté par l’énergie d’un grand réalisateur et par la force de l’histoire, on ressent la magie de son dispositif et on trouve l’énergie de faire ce qu’il nous demande, même s’il faut supporter le froid et des conditions parfois difficiles."

"Cela a créé des liens entre nous. Quand on voit son chef-décorateur passer par-dessus la caméra à cause du vent, ou lorsque Marion Cotillard disparaît dans un marécage en marchant, cela rapproche les comédiens et les techniciens." confie le réalisateur.

Michael Fassbender déclare : "Tout ce qu’on distinguait des techniciens, c’étaient leurs orbites qui perçaient la grisaille – des hommes qui travaillent dans ce métier depuis 25 ans et qui affrontent les pires conditions météo qui soient."

On se pince et on se dit, "C’est délirant et dingue", ajoute Kurzel. "Mais je pense qu’on ressentira les efforts fournis par les comédiens et, espérons-le, le rôle déterminant que joue le paysage dans la psychose de Macbeth"

Marion Cottilard

Mon opinion

"La vie n’est qu’une ombre qui passe …"

Justin Kurzel livre avec ce Macbeth une réalisation particulièrement noire et angoissante. Si certaines séquences sont trop longues et inutiles, d'autres, au contraire, restent totalement déroutantes, voire envoûtantes. La photographie d'Adam Arkapaw y est pour beaucoup. Elle tout simplement remarquable.

Le réalisateur plonge au plus profond de la noirceur et de la dérive sanguinaire de ce couple assoiffé de pouvoir. "Le moment était également opportun sur le plan des thèmes abordés dans la pièce : en effet, l’avidité et ses ravages sont plus que jamais d’actualité." Déclare la production.

Le film nous entraîne dans un puits sans fond avec une rage omniprésente, destructrice et d'une violence inouïe.

La direction d'acteurs est remarquable.

Les comédiens donnent le maximum. David Thewlis, Jack Reynor, Paddy Considine sont les principaux protagonistes aux côtés desquels Michael Fassbender et Marion Cotillard, habités par leurs personnages, sont véritablement pris au piège des ambitions de ce couple meurtrier qu'ils incarnent à l'écran.

Date de sortie 4 novembre 2015

Réalisé par László Nemes

Avec Géza Röhrig, Levente Molnár, Urs Rechn,

Sándor Zsótér, Marcin Czarnik, Todd Charmont

Titre original Saul Fia

Genre Drame

Production Hongroise

Saul Fia - Le Fils de Saul

- Grand prix du Festival de Cannes 2015.

- Meilleur film étranger Golden Globes 2016.

László Nemes né en 1977 à Budapest est le fils du réalisateur hongrois András Jeles. 

Il rejoint Paris en 1989 jusqu'en 2003. Il y tourne des petits films d'horreur dans sa cave, dès l'âge de treize ans.

Après avoir étudié l’Histoire, les Relations Internationales et l’écriture de scénarios à Paris, il a commencé à travailler comme assistant réalisateur sur des courts et des longs métrages, en France et en Hongrie. Pendant deux ans, il a travaillé comme assistant réalisateur de Béla Tarr et a, par la suite, étudié la réalisation de films à New York.

Ses courts métrages With A Little Patience, réalisé en 2007, The Counterpart en 2008 et The Gentleman Takes His Leave en 2010 ont été sélectionnés dans plus de 100 festivals internationaux où ils ont reçu de nombreux prix.

Le Fils de Saul est son premier long-métrage.

Synopsis

Octobre 1944, Auschwitz-Birkenau.

Saul Ausländer (Géza Röhrig) est membre du Sonderkommando, ce groupe de prisonniers juifs isolé du reste du camp et forcé d’assister les nazis dans leur plan d’extermination.

Il travaille dans l’un des crématoriums quand il découvre le cadavre d’un garçon dans les traits duquel il reconnaît son fils.

Alors que le Sonderkommando prépare une révolte, Saul Ausländer décide d’accomplir l’impossible : sauver le corps de l’enfant des flammes et lui offrir une véritable sépulture.

Géza Röhrig

Contexte historique. Relevé dans le dossier de presse.

Dans le système d’extermination nazi, les Sonderkommandos formaient un rouage essentiel, sans doute le plus problématique, de la machine de mort. Leur travail consistait à accompagner les victimes jusqu’aux chambres à gaz en les encadrant et les rassurant, les faire se déshabiller, les faire entrer dans les chambres de mort, puis à récupérer les cheveux, les bijoux et dents en or, débarrasser les cadavres, les entasser, les brûler tout en nettoyant les lieux. Le tout rapidement car d’autres convois de déportés attendaient. Les membres des Sonderkommandos étaient eux-mêmes des déportés, juifs pour la plupart, sélectionnés par les SS à la descente des trains arrivant dans les camps d’extermination. Ils étaient choisis sur des critères physiques (jeunes et en bonne santé) et en fonction des besoins. Ils vivaient séparés des autres prisonniers.

À Auschwitz, ils furent d’abord regroupés au block 11 (la prison du camp), puis dans un block séparé, entouré de murs et surveillé (le block 13 du camp de Birkenau), et à la fin ils vivaient directement au crématorium, dans ce complexe de mort comprenant la salle de déshabillage, les chambres à gaz, la salle des fours et les fosses de crémation.

Auschwitz-Birkenau, le principal des camps d’extermination nazis, fonctionne comme une usine à produire des cadavres, puis à les éliminer. Lors de l’été 1944, elle tourne à plein régime : les historiens estiment que 10 à 12 000 juifs y sont assassinés chaque jour. Pour les Sonderkommandos, la tâche est épuisante, et ils sont éliminés régulièrement par les SS, tous les trois ou quatre mois, à la fois parce que leur rendement faiblit et parce qu’il ne doit rester aucune trace de l’extermination. En tout, plus de deux mille personnes ont fait partie des Sonderkommandos d’Auschwitz, dont quelques dizaines seulement ont survécu en s’échappant.

C’est avec le développement du camp, à la fin de l’année 1942, que les Sonderkommandos se structurent, notamment en novembre 1942 afin de brûler les cent mille corps de prisonniers juifs, polonais ou soviétiques entassés dans les fosses communes. Immédiatement éliminés, les membres de ce premier Sonderkommando sont remplacés, en mars 1943, par deux cents juifs des ghettos polonais et une centaine provenant du camp de Drancy. La résistance et des tentatives d’évasion s’organisent régulièrement. En février 1944, une première tentative échoue. La répression réduit alors le nombre des Sonderkommandos. Mais la déportation massive des juifs de Hongrie contraint les SS à regonfler les effectifs. En août 1944, les chambres à gaz fonctionnent à un rythme infernal : deux équipes de Sonderkommandos regroupent près de neuf cents prisonniers, se relayant pour travailler 24h sur 24. Le 7 octobre 1944, la principale révolte des Sonderkommandos d’Auschwitz-Birkenau est réprimée dans le sang, les SS exécutant quatre cents membres en quelques heures, tandis que le crématorium IV est incendié et mis hors d’usage.

À la fin de l’année 1944, quand les chambres à gaz cessent peu à peu leur activité à Auschwitz, les membres survivants des Sonderkommandos sont affectés au démontage des installations, afin d’effacer les traces de l’extermination, avant d’être, pour la plupart, éliminés une dernière fois. Le 18 janvier 1945, lors de la libération et de l’évacuation du camp par l’armée soviétique, il ne reste qu’une dizaine de membres des Sonderkommandos encore vivants.
 

Extraits de l'entretien avec le réalisateur László Nemes.

Propos recueillis par Antoine de Baecque, relevés dans le dossier de presse.

Comment est née en vous l'idée du Fils de Saul ?

Sur le tournage de L'homme de Londres, à Bastia. Lors d’une interruption d’une semaine, j’ai trouvé dans une librairie un livre de témoignages publié par le Mémorial de la Shoah, Des voix sous la cendre, connu également sous le nom des "rouleaux d’Auschwitz". Il s’agit de textes écrits par des membres des Sonderkommandos du camp d’extermination, enterrés et cachés avant la rébellion d’octobre 1944, puis retrouvés des années plus tard. Ils y décrivent leurs tâches quotidiennes, l’organisation du travail, les règles de fonctionnement du camp et de l’extermination des Juifs, mais aussi la mise en place d’une forme de résistance.

Avez-vous un lien familial avec la Shoah ?

Une partie de ma famille a été assassinée à Auschwitz. C‘était un sujet de conversation quotidien. "Le mal était fait", avais-je l’impression quand j’étais petit. Cela ressemblait à un trou noir, creusé au milieu de nous; quelque chose s’était brisé et me maintenait à l’écart. Longtemps, je n’ai pas compris. À un moment, il s’est agi pour moi de rétablir un lien avec cette histoire.

Pourquoi passer par les témoignages des Sonderkommandos ?

J’ai toujours été frustré par les films sur les camps. Ils tentaient de construire des histoires de survie, d’héroïsme, mais ils reconstituaient surtout, selon moi, une histoire mythique du passé.

Au contraire, les témoignages des Sonderkommandos sont concrets, présents, matériels; ils décrivent précisément, dans l’ici et maintenant, le fonctionnement "normal" d’une usine de mort, avec son organisation, ses règles, ses cadences, ses équipes, ses dangers, sa productivité maximale. D’ailleurs, les SS utilisaient le mot "Stück" (pièces) pour désigner les corps. Là, on produisait des cadavres. À travers ces témoignages, je pouvais pénétrer chez les damnés du camp d’extermination.

Mais comment raconter une histoire, une fiction, au sein du fonctionnement du camp ?

C’était évidemment problématique. Je ne voulais pas héroïser qui que ce soit, pas choisir le point de vue du survivant, mais pas non plus tout montrer, trop montrer de cette usine de mort. Je voulais trouver un angle précis, réduit, et déterminer une histoire aussi simple et archaïque que possible. J’ai choisi un regard, celui d’un homme, Saul Ausländer, Juif hongrois, membre du Sonderkommando, et je m’en tiens rigoureusement à son point de vue : ce qu’il voit je le montre, ni plus ni moins. Mais ce n’est pas un "regard subjectif", car on le voit comme personnage et je ne voulais pas réduire le film à un motif purement cinématographique. Cela aurait été artificiel. Il fallait surtout fuir tout esthétisme, tout exercice de style, toute virtuosité. De plus, de cet homme naît une histoire, unique, obsessionnelle, primitive : il croit reconnaître soudain son fils parmi les victimes et veut dès lors préserver son corps, trouver un rabbin qui dira le kaddish et l’enterrer. Toute son action est déterminée par cette mission qui semble dérisoire dans l’enfer d’un camp. Le film se concentre sur un unique point de vue et une seule action, ce qui lui permet de croiser d’autres regards et d’autres actions, mais le camp est perçu à travers le prisme du trajet de Saul.

Cela suppose un gros travail de documentation, un véritable travail d'hstoire ...

Avec ma co-scénariste, Clara Royer, nous avons appris ensemble. Nous avons lu d’autres témoignages, ceux de Shlomo Venezia et Filip Müller, mais aussi celui de Miklós Nyiszli, un médecin juif hongrois affecté aux crématoriums. Bien sûr, Shoah de Claude Lanzmann, notamment les séquences des Sonderkommandos, avec le récit d’Abraham Bomba, reste une référence. Enfin, nous nous sommes également appuyés sur l’aide d’historiens comme Gideon Greif, Philippe Mesnard et Zoltán Vági.

Vous êtes-vous interdit des choses ?

Je ne voulais pas montrer l’horreur de face, ne surtout pas reconstituer l’épouvante en entrant dans une chambre à gaz tandis que les gens y meurent. Le film suit strictement les déplacements de Saul, donc s’arrête devant la chambre à gaz, puis y entre après l’extermination pour débarrasser les corps, laver, effacer les traces. Ces images manquantes sont des images de mort, on ne peut pas toucher cela, le reconstituer, le manipuler. Parce que je m’en tiens au point de vue de Saul, je ne montre que ce qu’il regarde, ce à quoi il fait attention. Cela fait quatre mois qu’il travaille dans un crématorium : par un mécanisme de protection, il ne fait plus attention à l’horreur, donc je laisse l’horreur floue ou hors-champ. Saul ne regarde que l’objet de sa quête, c’est ce qui rythme visuellement notre film.

Comment filmer ?

Avec le chef opérateur, Mátyás Erdély, le décorateur, László Rajk, on s’était donné un code avant le tournage, une sorte de dogme : "le film ne peut pas être beau", "le film ne peut pas être séduisant", "ne pas faire un film d’horreur", "rester avec Saul, ne pas dépasser ses capacités de vision, d’écoute, de présence", "la caméra est sa compagne, elle reste avec lui à travers l’enfer" … Nous avons aussi voulu utiliser la pellicule argentique 35 mm et un processus photochimique à toutes les étapes du film. C’était le seul moyen de préserver une instabilité dans les images et donc de filmer de façon organique ce monde. L’enjeu était de toucher les émotions du spectateur – ce que le numérique ne permet pas. Tout cela impliquait une lumière aussi simple que possible, diffuse, industrielle, nécessitait de filmer avec le même objectif, le 40 mm, un format restreint, et non le scope qui écarte le regard, et toujours à hauteur du personnage, autour de lui.

Saul porte une veste avec une grande croix rouge dans le dos ...

Oui, c’est une cible. Les SS utilisaient cela pour mieux éliminer ces hommes s’ils fuyaient, et pour nous ce fut comme un viseur pour la caméra.

Vous aviez d'autres films en tête ?

Requiem pour un massacre d’Elem Klimov (1985) a été une source d’inspiration. Le film suit un garçon sur le front de l’Est en 1943 et reste avec lui à travers l’enfer de ses aventures d’une manière organique. Mais Klimov s’autorise des choses beaucoup plus baroques que nous.

Lors du premier plan du film, le flou est là, puis un visage soudain apparaît, celui de Saul ...

Il sort du néant. Mon premier court métrage, With a little patience, débute comme cela également. Le spectateur, qui le voit surgir, comprend tout de suite qu’il va le suivre tout au long du film. On a beaucoup travaillé les gestes avec les acteurs. Les règles du camp, et la nécessité de la survie, imposent une gestuelle très précise : toujours regarder vers le bas, ne jamais croiser le regard d’un SS, marcher à pas réguliers, petits, rapides, baisser la tête, retirer son bonnet pour saluer, ne pas parler ou répondre clairement, en allemand.

On comprend rapidement qu'il existe plusieurs logiques contradictoires dans le camp : le règlement, la soumission aux SS, les solidarités entre membres de des Sonderkommandos, mais aussi des tensions, des rivalités, l'organisation d'une résistance.

Bien sûr, plusieurs attitudes existent au sein de l’horreur, du renoncement à la résistance. Et il existe plusieurs façons de résister. Dans le film, nous voyons la tentative de rébellion qui a effectivement eu lieu en 1944, la seule révolte armée dans l’histoire du camp d’Auschwitz. Saul, lui, choisit une autre forme de révolte, qui semble dérisoire. En poursuivant sa quête personnelle, Saul est conduit à naviguer entre ces différentes attitudes : récupérer le corps du garçon le conduit dans les salles d’autopsie, chez les médecins et anatomistes ; trouver un rabbin le rapproche d’autres groupes de Sonderkommandos ou de convois de juifs en route vers la mort, circuler dans le camp lui fait emprunter le chemin des résistants… Il voit tout cela par bribes, et le spectateur doit lui aussi comprendre par fragments. Personne n’a tout, chacun a des éclats et tente de construire une vision avec ça.

À un moment, Saul croise les résistants qui cherchent à photographier le processus d'extermianation ...

Ce qui est strictement interdit par les SS, bien sûr. A Birkenau, la résistance polonaise a introduit un ou plusieurs appareils photo chez les Sonderkommandos, pour témoigner de l’extermination. Au prix de risques inouïs, ils ont réussi à photographier, juste avant la fermeture et juste après l’ouverture d’une chambre à gaz, les femmes qui s’approchent nues, puis les cadavres entassés, sortis dehors, qu’on brûle à même le sol.

Quatre photographies montrées lors de l'exposition "Mémoire des camps", en 2001, quatre "images malgré tout ...

Ces quatre photos m’ont énormément marqué. Elles témoignent de l’extermination, comme des preuves, et posent des questions essentielles. Qu’est-ce que faire une image ? Qu’est-ce que l’on peut représenter ? Quel regard construire devant la mort et face à la barbarie ? Nous avons intégré ce moment au coeur du film, car cela correspond à un bout du trajet de Saul à travers le camp ; il participe soudain, un temps, à la construction du regard sur l’extermination. Mais aussi parce que, comme mis en abyme, le statut de la représentation est interrogé là, et seulement là.

Le son joue un rôle important dans le film.

Avec l’ingénieur du son, Tamás Zányi, qui a participé à tous mes films, nous avons décidé de travailler sur un son à la fois très simple, brut, et aussi complexe, multiple. Il faut rendre compte de l’atmosphère sonore de cette usine des enfers, avec de multiples tâches, des ordres, des cris, et tant de langues qui se croisent, entre l’allemand des SS, les langues multiples des prisonniers, dont le yiddish, et celles des victimes qui viennent de toute l’Europe. Le son peut se superposer à l’image, parfois aussi prendre sa place, puisque certaines manquent et doivent manquer. Je comparerais cela à des couches sonores diverses, contradictoires. Mais il faut garder toute cette matière sonore brute, surtout ne pas la refabriquer en la polissant trop.

Qui est Saul, qui joue ce personnage ?

Géza Röhrig n’est pas un acteur, mais un écrivain, poète hongrois, qui vit à New York, que j’ai rencontré il y a quelques années. À un moment, j’ai pensé à lui. Sans doute car tout est mouvant et mouvement chez lui, sur son visage et son corps : impossible de lui donner un âge, il est à la fois jeune et vieux, mais il est aussi beau et laid, banal et remarquable, profond et impassible, très vif et très lent ; il bouge, remue vite, mais sait également très bien garder le silence et l’immobilité.

Ce personnage, et votre film, tentent d'opposer à l'usine de mort une cérémonie de la mort, à la machine des rites, au bruit une prière.

Quand il n’y a plus d’espoir, au fin fond de l’enfer, une voix intérieure dit à Saul : il faut survivre pour accomplir un acte qui a du sens, un sens humain, archaïque, sacré, qui est à l’origine même de la communauté des hommes et des religions, respecter le corps mort
 

Mon opinion

Le fils de Saul, premier long-métrage de László Nemes, multiplie les points forts.

Géza Röhrig est remarquable de bout en bout. Écrivain et poète hongrois, il est le principal protagoniste de ce film. Pratiquement de toutes les scènes, la caméra implacable filme son visage et son regard. "À la fois jeune et vieux, mais il est aussi beau et laid, banal et remarquable, profond et impassible, très vif et très lent" pour reprendre les dires du jeune réalisateur.

Le format de l'image, la pellicule argentique 35 mm, la profondeur de champ minimale, aussi, accentuent une impression d'étouffement. D'écœurement. Le travail de Mátyás Erdély sur la photographie renforce une profonde sensation d'asphyxie.

La bande-son est à la fois remarquable et insoutenable. Entre des ordres lancés, tels des aboiements de chiens enragés, les cris douloureux de femmes, d'hommes et quelques pleurs d'enfants, résonnent atrocement dans cette "usine des enfers", pour reprendre les mots du réalisateur.

Le scénario coécrit avec Clara Royer est parfaitement documenté. Il s'appuie sur des témoignages bien réels. Des êtres humains, font ici la pire des besognes. Leurs vies restent en sursis. Autant de moments vécus dans l'urgence et dans la terreur.

La réalisation est d'une extrême virtuosité. Sans faille aucune. László Nemes ne craint pas les obstacles. Il fait preuve d'un extraordinaire brio et offre au spectateur un très grand film. "Bien sûr, plusieurs attitudes existent au sein de l’horreur, du renoncement à la résistance. Et il existe plusieurs façons de résister." a-t-il déclaré. Il le démontre parfaitement.

Le Fils de Saul mérite d'être vu par le plus grand nombre, et restera longtemps dans ma mémoire.