Date de sortie 17 septembre 2014

 
Réalisé par Matthew Warchus

Avec Bill Nighy, Imelda Staunton, Paddy Considine,

Dominic West, Ben Schnetzer, George Mackay, Andrew Scott

 
Genre Comédie dramatique

Production Britannique

Lorsque le projet a été proposé par le producteur et le scénariste, personne ne croyait à cette histoire. Mais après maintes vérifications qui ont confirmé cette dernière, Stephen Beresford se lança dans l’écriture du scénario. Le producteur, David Livingstone s’exprime à ce sujet :

"Si Pride est drôle et émouvant, c’est surtout une histoire vraie. Du coup, c’est d’autant plus fort de voir ces personnages qui, au départ, s’opposent, puis qui font front commun."

Il était évident pour le scénariste et le producteur de faire appel au metteur en scène Matthew Warchus pour réaliser Pride : "Il nous fallait quelqu’un qui comprenne de manière quasi viscérale le propos et qui ait passionnément envie de raconter cette histoire", souligne David Livingstone.

De plus, l’histoire de Matthew est étroitement liée au scénario, car durant son adolescence, il a vécu près de la plus grande centrale à charbon d’Europe, dans le Yorkshire. 

Matthew Warchus raconte : "Je me souviens des piquets de grève à l’extérieur de la centrale, lorsque je me rendais au lycée. Ce conflit historique a été l’un des moments les plus marquants de ces années très sombres au cours desquelles j’ai acquis une conscience politique : j’ai grandi entre les tests d’alertes aériennes en cas d’attaque nucléaire, les attentats de l’IRA et, bien entendu, le SIDA."

Synopsis

Eté 1984.

Alors que Margaret Thatcher est au pouvoir, le Syndicat National des Mineurs vote la grève. Lors de la Gay Pride à Londres, un groupe d'activistes gay et lesbien décide de venir en aide aux familles des mineurs en grève.

Mais l’Union Nationale des Mineurs semble embarrassée de recevoir leur aide.

Deux communautés considérées avec le même mépris par la Dame de Fer.

Alors qu’il est devenu limpide pour tout le monde que Thatcher a adopté la stratégie de la famine pour briser la grève, le groupe d’activistes ne se décourage pas. Après avoir repéré un village minier au fin fond du pays de Galles, ils embarquent à bord d'un minibus pour aller remettre l'argent aux ouvriers en mains propres.

Ainsi débute l’histoire extraordinaire de deux communautés que tout oppose qui s’unissent pour défendre la même cause.

Il se passa deux ans entre la première rencontre du producteur David Livingstone avec le scénariste Stephen Beresford, et la sortie du film. Deux années durant lesquelles le scénariste s’est documenté, et notamment grâce à la découverte d’une vidéo du mouvement LGSM – Lesbians and Gays Support the Miners.

Il retrouva quelques membres du groupe via les réseaux sociaux, qui l’orientèrent vers le co-fondateur du mouvement, Mike Jackson, détenteur des archives.

À l’écriture, il décida ce qui devait être de l’ordre de la fiction et de l’histoire vraie.

Cette histoire a constitué l’occasion idéale de donner forme à une comédie dramatique grand public sur les droits des homosexuels et des syndicats :

"C’est une histoire d’une importance capitale, et je pense que le LGSM a, sans le vouloir, contribué à faire tomber les barrières et les préjugés, ce qui a permis aux droits des homosexuels d’être reconnus et protégés par la communauté LGBT (Lesbiennes, Gays, Bisexuels et Transsexuels), le manifeste du parti Travailliste et le Congrès des Syndicats.

Les Gallois ont vraiment eu le sentiment que personne n’avait encore reconnu ce que ces jeunes gens ont accompli, et tous les gens que nous avons rencontrés étaient heureux d’en parler et de voir l’aboutissement de leur combat enfin représenté à l’écran", raconte le scénariste Stephen Beresford.

Il poursuit : "Je tenais par-dessus tout à ce que la Gay Pride soit représentée comme un événement politique, et pas comme un carnaval."

La star britannique Bill Nighy explique pourquoi il a choisi de prendre part à ce film et témoigne de son expérience de tournage :

Bill Nighy

"C’est l’un des meilleurs scénarios que j’aie jamais lu", confie-t-il. "Je n’ai pas hésité une seconde à donner mon accord. J’irais même jusqu’à dire qu’il s’agit du film le plus important de l’année, dans le genre évocation historique. Le croisement de ces deux intrigues – la grève des mineurs et l’histoire de la communauté gay d’Angleterre – est remarquablement mené. On ne peut pas se permettre de raconter n’importe quoi, d’autant plus que ces événements n’ont cessé d’être dévoyés et déformés depuis qu’ils ont eu lieu. C’est l’une de mes meilleures expériences."

Simon Bowles, le chef décorateur, a eu la lourde tâche de reconstituer l’univers anglais des années 80. Avec peu d’images sous la main, il demanda directement aux gens de la région de lui prêter les leurs. L’équipe a construit des devantures de magasins pour représenter la rue de Bloomsbury où se trouvait la librairie Gay’s the Word, et le foyer des mineurs a été reconstitué dans un centre sportif à la périphérie de Londres.

L’équipe du film a tourné dans le sud du Pays de Galles, à Londres et ses alentours, investissant le village où se sont déroulés les évènements de 1984.

Matthew Warchus raconte : "Il se situe sur une ancienne voie romaine, très intéressante sur le plan esthétique, et qui fait penser à un décor construit au milieu de nulle part, à l’image d’une petite ville de western. (…) C’était un lieu très fort et les fantômes du passé y rôdent encore".

L’équipe tourna sous les yeux intrigués des villageois qui, malgré une petite appréhension de départ, bravèrent le froid pour assister au tournage.

Mon opinion

Un s'appuyant sur un fait divers bien réel des années 80, relativement méconnu ou oublié dans l'hexagone, le réalisateur et son scénariste livrent un film à la fois violent dans certains actes et propos, souvent drôle, touchant dans bien des situations, juste de bout en bout et parfaitement documenté.

Deux communautés que tout sépare, avec le seul point commun d'être méprisées par le gouvernement Thatcher, démontreront que l'être humain peut se surpasser par la seule volonté d'une solide détermination. Un groupe de gays et lesbiennes tentent l'impossible pour venir en aide à des mineurs gallois en grève. Il était facile de sombrer dans quantités de clichés. Il n'en est rien.

Le réalisateur ne néglige aucun personnage. Tous les acteurs sont excellents et parfaitement crédibles dans leurs rôles respectifs. Qu'il s'agisse d'une danse endiablée sur fond de disco, à un chant mélancolique repris en cœur, ou encore la découverte du monde gay par ces femmes galloises à la fois curieuses et magnifiques de tolérance. Un autre passage émouvant cette fois, celui de ce jeune qui s'affranchira de l'autorité parentale pour s'affirmer dans sa sexualité.

Pride est un film d'une grande humanité, un film qui fait du bien, un film à ne pas négliger.

Sources :

http://www.allocine.fr

http://www.imdb.com

Date de sortie 24 septembre 2014

Réalisé par Bertrand Bonello

Avec Gaspard Ulliel, Jérémie Renier, Louis Garrel,

Amira Casar, Léa Seydoux, Helmut Berger, Aymeline Valade

Jasmine Trinca, Valeria Bruni Tedeschi, Valérie Donzelli

 
Genre Biopic

Production Française

- César 2015 - Meilleurs costumes  pour Anaïs Romand

Si le biopic de Yves Saint Laurent paru en janvier 2014 sur les écrans français a reçu l'aval de Pierre Bergé, il n'en est pas de même pour cette autobiographie signée Bertrand Bonello.

L'homme d'affaires et compagnon du couturier décédé, strictement opposé au tournage, aurait tenté d'en empêcher la production. Le film s'est également heurté à quelques difficultés de financement, et n'a pas eu droit aux faveurs dont a pu bénéficier le long-métrage sorti début 2014. Il se consolera néanmoins avec une sélection en compétition officielle au Festival de Cannes.

D'où vient, dans ce cas, l'opposition de Pierre Bergé à votre projet ?

"Je ne voulais pas rencontrer Pierre Bergé avant d'avoir une vision claire du film que je voulais faire. Il y a eu certainement une maladresse de ma part qui a donné suite à des malentendus. De maladresse en malentendu, on en arrive vite à des lettres d'avocats. Il y a eu un moment de tension à cause de ça. On s'est rencontré par la suite, trop tardivement, et il m'a souhaité un bon tournage en me disant qu'il était certain que j'arriverai à faire un film de qualité. On a eu quelques échanges pendant le montage et avant Cannes. Maintenant, j'ai hâte qu'il le voit."

Extrait d'enretien recueilli par Sorin Etienne pour http://www.lefigaro.fr

Synopsis :

1967 / 1976.

La rencontre de l'un des plus grands couturiers de tous les temps avec une décennie libre. Aucun des deux n’en sortira intact.

Extraits d'entretien avec  Bertrand Bonello relevés sur  unifrance.org

Comment le projet est-il né ?

En novembre 2011, peu après la sortie de L’Apollonide, Eric et Nicolas Altmayer m’ont demandé s’il m’intéresserait de réaliser un film sur Saint Laurent. À priori je n’aime pas beaucoup les biopics mais il n’y avait ni scénario ni traitement, juste le nom de Saint Laurent. Du coup j’ai été tenté. J’ai écrit un pitch précisant surtout que je ne voulais pas d’un biopic traditionnel traitant toute la vie de manière informative… Je ne voulais pas que le spectateur se contente de regarder Yves Saint Laurent, mais qu’il soit le plus proche possible de lui. Je souhaitais, comme pour L’Apollonide, non pas me mettre à la place des personnages, mais me coller à eux. Privilégier l’aspect visuel, romanesque, viscontien de Saint Laurent, et laisser de côté l’aspect très français du biopic, même si Saint Laurent est aussi une figure très française et que cela a son importance. Les frères Altmayer m’ont laissé libre. Ils m’ont simplement demandé de ne pas écrire seul et j’ai rencontré Thomas Bidegain.

Pourquoi, à votre avis, est-ce précisément à vous qu’ils ont pensé pour la réalisation d’un tel projet ?

Ils avaient envie de retrouver la sophistication visuelle et la dramaturgie de L’Apollonide. Il existe des liens entre les deux sujets : un monde très beau et très dur, fermé sur lui-même comme par de lourds rideaux et qui touche à sa fin, le XIX^ème d’un côté, les années 1970 de l’autre…

De votre côté, d’où venait le désir de travailler avec eux ?

Je pense depuis longtemps que les producteurs qui accordent le plus de liberté à un auteur sont paradoxalement ceux qui produisent les plus grands succès. Et je suis convaincu que chaque projet a son économie propre : un film sur Saint Laurent appelait de tels producteurs.

Le personnage vous intéressait-il, avant de vous lancer dans un projet de film sur lui ?

J’avais quelques connaissances, par ma mère qui l’admire et m’a passé plusieurs livres sur ses maisons et ses objets, notamment l’énorme catalogue en cinq volumes de la vente du Grand Palais en 2010. J’avais une familiarité avec l’univers et avec l’époque, plus qu’avec la mode. J’étais surtout attiré par les possibilités de cinéma liées à ce côté fastueux et décadent qu’il était possible de mettre en avant grâce au filtre de la réalité. Inventer cela serait impossible ! J’avais envie de prolonger l’idée, présente dans L’Apollonide, d’un enfermement magnifique qui se délite.

C’est pour cela aussi que j’ai tourné en 35 millimètres. Les couleurs, les textures, les tissus ont ainsi une volupté que le numérique ne donne pas. Les célébrités auxquelles sont consacrés des biopics, Claude François, Edith Piaf, etc., sont souvent des gens pauvres qui finissent par réaliser un rêve d’enfance, sans renier leur extraction populaire. Ça marche toujours avec le public.

Saint Laurent, lui, naît entouré de l’amour de sa mère et de ses soeurs; sa famille a de l’argent; à 17 ans il est premier prix d’un concours; à 20 il est star chez Dior; à 22 il a sa maison; à 25 c’est une célébrité mondiale. Ce handicap par rapport aux normes du biopic me passionnait.

Comment avez vous réagi lorsque vous avez appris qu’un autre film sur Saint Laurent était lancé ?

J’ai été très surpris évidemment. Nous étions au travail depuis plusieurs mois lorsque l’annonce du film de Jalil Lespert a eu lieu. Ça a forcément rendu les choses très compliquées et nous avons du franchir beaucoup d’obstacles pour arriver à ce que le film se fasse. Malgré le fait que nous avions beucoup d’avance, la priorité des producteurs de l’autre film était de passer en premier. Je n’avais aucune envie de bâcler mon film pour rentrer dans une guerre stérile dont je ne voulais pas. J’en ai pris mon parti, en me disant que l’existence d’un film plus officiel allait prendre en charge les passages obligés du biopic, et donc que j’en étais dédouané. Quelque part, le film de Lespert m’a offert plus de liberté.

A quel moment la question du choix de l’acteur pour interpréter Saint Laurent s’est-elle posée ?

Le casting a commencé début 2012, bien avant l’achèvement du scénario. Très vite est apparu le nom de Gaspard Ulliel. Je tenais à ce que sa ressemblance avec Saint Laurent ne soit pas l’unique facteur. J’ai donc rencontré Gaspard au même titre qu’une vingtaine d’acteurs. Nous avons fait des essais pendant trois mois, principalement pour voir si nous pouvions travailler et avoir un dialogue ensemble.

La voix de Saint Laurent, fluette et autoritaire à la fois, est un aspect capital du personnage. Comment l’avez-vous travaillée ?

Gaspard vous en parlerait mieux que moi. Je me suis pour ma part contenté d’une remarque : je ne voulais pas qu’on puisse confondre fébrilité et chevrotement. Et tout comme les actrices de L’Apollonide ne devaient pas imiter la gouaille 1900, mais mettre chacune d’elle-même dans son personnage, il fallait qu’il y ait dans le film autant de Gaspard que de Saint Laurent. Si je ne vois plus l’acteur que je filme, cela n’a pas d’intérêt. C’est le mélange qui est beau. Gaspard me passionne autant que Saint Laurent, et Louis Garrel autant que Jacques de Bascher. Un cinéaste n’a pas le choix, il doit s’intéresser à ce qu’il a devant les yeux.

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Comment avez-vous choisi les autres acteurs pour jouer les membres de l’entourage de Saint Laurent ?

Le deuxième choix stratégique était celui de l’acteur pour interpréter Pierre Bergé. La différence d’âge entre Gaspard et Jérémie, avec qui j’avais travaillé pour Le Pornographe, est assez juste, étant donné les six ans d’écart entre Saint Laurent et Bergé. Il se trouve aussi qu’ils sont très amis depuis longtemps. Une complicité entre eux, notamment sensuelle, est apparue dès les essais. Et comme le film commence plusieurs années après leur rencontre, j’aimais que cela apparaisse d’emblée et qu’on ne se demande pas pourquoi ces deux hommes sont ensemble.

Betty Catroux était un grand mannequin Chanel pour qui il était difficile de trouver une actrice, même grande. Aymeline Valade est une suggestion d’Amira Casar, à qui je rends grâce. Nous avons fait des essais. J’ai tout de suite aimé l’image de Gaspard et elle côte à côte. Elle danse de façon très bizarre. J’adore la scène d’impro sur le canapé, pendant que Jacques lit Rose poussière de Jean-Jacques Schuhl et qu’elle fait de drôles de gestes de la main. Il se passe vraiment quelque chose, à l’écran, entre Gaspard et elle.

Léa Seydoux, Gaspard Ulliel et Aymeline Valade

Léa Seydoux avait envie d’un rôle plus léger, plus dynamique que d’habitude. C’est évidemment un second rôle, mais nous souhaitions nous retrouver, six ans après De la guerre, et je l’imaginais parfaitement se fondre dans cet univers, dans ces couleurs, cette atmosphère. Il fallait quelqu’un de très habile pour jouer le rôle de M. Jean-Pierre, le premier d’atelier, et Micha Lescot possède la finesse pour l’interpréter sans en faire un cliché.

Quant à Amira, à chaque fois que je disais que je préparais un film sur Saint Laurent, tous ceux qui avaient cotoyé la maison me disaient "Mme Munoz, c’est Amira Casar !".

Louis Garrel amène de la légèreté et du contemporain à la figure complexe de Jacques de Bascher, une aisance naturelle à dire les phrases d’un personnage qui, aujourd’hui, n’existe plus. Louis ne tire pas Jacques vers le glauque, ce qui serait possible avec un personnage aussi bizarre et décadent. L’histoire d’amour entre Yves et Jacques s’est développée au montage : les scènes, pour la plupart d’atmosphère, se sont étirées, parce qu’il s’est passé quelque chose de beau entre Gaspard et Louis. Il suffisait presque de poser la caméra et de les regarder. Il faut savoir faire dévier le film quand apparaissent des choses spécialement grâcieuses. J’aime le côté théâtral et sans lendemain de Bascher : l’artifice de l’artifice… Il incarne une insouciance de l’époque, les années pré-Sida, sans crainte économique…

Mais au fond, c’est moins de Bascher lui-même qui m’intéresse que, comme Bergé l’a expliqué, le fait qu’il a appuyé sur le bon bouton pour permettre à Saint Laurent de toucher le fond. Cela aurait pu être quelqu’un d’autre.

De quelle manière vous êtes-vous documenté ?

J’ai beaucoup lu. Trois ou quatre livres avant de commencer à écrire et le reste ensuite. Se documenter ne sert pas à être informé, mais à savoir pourquoi on prend des libertés pour mieux revenir ensuite à la vérité.

Pourquoi avez-vous décidé de vous en tenir à dix ans de la vie et de la carrière de Saint Laurent, entre 1967 et 1976 ?

On aurait pu resserrer davantage, c’est une décennie tellement forte… On aurait pu aussi commencer en 1965, avec la robe Mondrian, qui marque le moment où Saint Laurent cesse d’être post-Dior pour devenir Saint Laurent. La création du prêt-à-porter vient juste après, décision pionnière qui le rend populaire et le fait, comme il dit avec un peu d’exagération, "descendre dans la rue". En prenant de nombreuses choses en charge, notamment la rencontre avec Pierre Bergé et la création de la marque, le film de Jalil Lespert m’a dédouané. Il m’a permis de me rapprocher d’autant plus du personnage. J’ai pu radicaliser ma vision, entrer dans l’histoire plus tard et avec moins d’explications. Thomas et moi avons très tôt choisi de nous en tenir à deux collections emblématiques, la collection "Libération" de 1971 et le "Ballet russe" de 1976. La première fait scandale : en 1971, en plein hippie chic, Saint Laurent habille les femmes comme leurs mères, puisant dans sa passion pour la sienne, pour les actrices des années 1940, etc. C’est un scandale journalistique, mais six mois plus tard, tout le monde s’habille aux fripes. Le deuxième défilé est quant à lui sous influence orientale, Gauguin, Delacroix, Matisse, jusqu’à l’orient russe.

Nous avons chapitré le scénario en trois parties. La première, qui va jusqu’au défilé 1940, juste avant la fameuse photo où Saint Laurent pose nu, nous l’avons appelée "Le Jeune Homme". La deuxième, de la photo à la fin de l’histoire avec de Bascher, c’est "La Star". Et la troisième, 1976, "YSL" : Yves devient une marque, il ne sait plus qui il est… C’est là que le contraste est le plus important entre le haut et le bas. Un psychiatre — qui connaissait son psychiatre — l’appelait "le liftier" : il ne cesse de monter et de descendre… Ces trois parties avaient pour sous-titres "Le Jour", " La Nuit" et "Les Limbes . C’est en 1976 qu’a lieu le saut en 1989, où on découvre Helmut Berger en Saint Laurent : le corps a changé, mais la voix reste celle de Gaspard.

C’est l’une des grandes audaces du film, ce saut dans le temps et ce changement d’incarnation.

Yves dit qu’il ne supporte plus de se voir. On passe alors à 1989 et à Helmut Berger.

Le film n’est plus ensuite qu’un montage parallèle, une succession d’allers et retours. C’était une des premières idées : montrer ce corps qui change, jusqu’à aboutir à Saint Laurent dans sa tour sublime de la rue de Babylone, seul mais encore vigoureux…

L’introduction de Helmut Berger, même si elle crée d’abord un décrochage, permet d’ouvrir une porte par laquelle le spectateur rentre encore plus dans l’affect et dans l’esprit de Saint Laurent. Le film devient alors vraiment mental.

Pourquoi précisément cette année, 1989 ?

Saint Laurent est encore au travail…L’année n’est pas précisée, mais elle permet d’introduire les années 1980, qui marquent le basculement vers un autre monde : Jean-Paul Gaultier, la vente en bourse… Au début des années 1990, le basculement aura déjà eu lieu.

Où les décors ont-ils été recréés ?

 
Nous avons loué un immense hôtel particulier que nous avons utilisé comme studio pour presque toutes les scènes, sauf celles de défilés et de boîtes de nuit : la rue Spontini, Baylone, les ateliers, Libération, la chambre de Proust …

Comment avez-vous évité les passages obligés du biopic, genre aujourd’hui omniprésent ?

C’est l’idée du biopic qui pose problème. "Yves Saint Laurent a transformé la femme", "Yves Saint Laurent a du succès "… Comment montrer cela ? Sûrement pas avec des plans sur des gens dans la rue habillés en Saint Laurent. Ou avec des manchettes de magazines. Ou en faisant crépiter des flashes. Autant d’idées à mettre à la poubelle. Nous sommes passés par la lettre d’Andy Warhol : "Toi et moi nous sommes les deux plus grands artistes d’aujourd’hui ". Warhol et Saint Laurent. L’Amérique et l’Europe. Le succès est dit, pas la peine d’y revenir. Le smoking, lui, passe par un enregistrement de la voix de Marlene Dietrich et un mannequin, c’est tout.

Comment faire passer des informations ?

 
C’est le problème du biopic. Avec cette difficulté supplémentaire que, dans la mode, tout va très vite. Comment montrer que Saint Laurent veut casser quelque chose, que ça ne marche pas, puis que ça marche ? C’est compliqué, à moins d’être très explicatif. Je me suis servi de la réponse à Warhol, dans laquelle Saint Laurent dit qu’il a voulu être moderne mais qu’à présent il veut juste être Saint Laurent. Ce genre de formule accélère les choses. L’amour que j’ai pour les films de Robert Bresson m’a appris à destabiliser le temps en utilisant la voix off. "Yves Saint Laurent transforme la femme". Comment filmer cela ? J’ai pensé à Vertigo vous connaissez ma passion pour Vertigo, pour la scène avec Valeria Bruni Tedeschi : un homme manipule une femme qui tout à coup se transforme sous nos yeux. Valeria est géniale dans cette scène. Juste par le jeu, elle perd 15 ans en trois minutes.

Une autre difficulté liée au biopic est celle de la légende ou du mythe…

En général, un biopic démantèle le mythe d’une personne pour la rendre plus proche, expliquer comme elle est devenue célèbre… Le film ne montre pas comment Saint Laurent est devenu Saint Laurent, mais ce qui lui en coûte d’être Saint Laurent. C’était avec Thomas notre axe principal depuis le début. Ce que cela lui coûte de passer du noir et blanc à la couleur, du figé à l’aérien, de devoir livrer quatre collections par an, d’être une star… Il ne s’agissait pas du tout de démythifier. Le choix de Helmut Berger, qui est un mythe du cinéma des années 1970, participe de cela. Le film se rapproche de Saint Laurent pour se rapprocher de son affect, pas pour le rendre banal ou compréhensible. À la fin, le spectateur n’a pas compris comment ça marche. Le mythe reste un mythe. C’est dans cette perspective
que s’est posée la question de l’ouverture. Le film commence en 1974, avec la scène de l’hôtel de la Porte Maillot. J’attaque au coeur du succès mais aussi au coeur de la dépression. Je tenais à soigner l’entrée de Saint Laurent. On le voit de dos, de loin, puis de dos sur son
lit. On parle de lui dans l’atelier, on voit ses mains, et enfin son visage. C’est "monsieur Saint Laurent ". On ne le banalise pas.

"Yves Saint Laurent….. très intimidant de devoir habiller ce rôle et tout son entourage, alors je me suis accrochée au scénario et à ce que Bertrand voulait raconter de cet être doué et torturé, de l’époque, ces années 60 et 70 dans un petit milieu élitiste parisien à l’avant garde de la mode, avant les années sida dans une France encore très conservatrice. Il fallait que la mode soit présente, mais comme une évidence, que les acteurs puissent intégrer leurs costumes avec naturel, la recherche de la beauté comme une part de leur personnalité et pas comme une démonstration figée d’esthétique. C’était pour moi le coeur du film, réussir à ce que les acteurs se glissent dans ces vêtements et nous séduisent en 2014. Le plus difficile techniquement a été de devoir fabriquer deux collections de haute couture mythiques d’YSL à partir de rien ou presque, sans avoir accès aux archives et robes authentiques de la fondation Bergé Saint Laurent. Ça a été un véritable travail de fourmi que de décrypter la documentation pour trouver les bons volumes, les bonnes matières, les couleurs les plus justes et ne pas trahir l’esprit d’YSL, tenter de porter à l’image la nouveauté, la fraîcheur et la somptuosité de ces collections, et pour ça le cinéma aide beaucoup !", révèle la costumière Anaïs Romand."

Saint Laurent a été choisi pour représenter la France aux Oscars dans la catégorie meilleur film étranger. "Il y a encore beaucoup d'étapes à franchir avant d'être désigné, mais je sais que le distributeur américain est très motivé et qu'il compte entretenir le buzz autour de la sortie outre-Atlantique", précise Gaspard Ulliel. Il faudra attendre le 15 janvier avant de savoir si Saint Laurent est retenu ou pas parmi les concurrents à ce prix prestigieux. "Nous sommes conscients que le côté sulfureux du film peut le desservir en Amérique et qu'il y a beaucoup de concurrents prestigieux qui peuvent être privilégiés par l'académie, mais c'est déjà formidable d'avoir cette opportunité", a déclaré Gaspard Ulliel. dans un entretien accordé à Caroline Vié pour 20minutes.fr.

Mon opinion

Un film fort, luxueux, un rien démoniaque, magnifique de bout en bout en ce qui me concerne.

"Il faut parfois savoir être infidèle pour que ça dérape, pour que ça revive, en fait " déclare Bertrand Bonello. La réussite est totale. Le réalisateur s'appuie sur le trio formé par Yves Saint Laurent, Pierre Bergé et Jacques de Bascher. Le montage sophistiqué, mais captivant, nous plonge dans une époque reconstituée avec brio, finesse, une certaine folie, aussi, mais toujours dans une grande élégance.

Des parcelles de l'univers de Saint Laurent se glissent astucieusement dans le film. Proust bien entendu. La voix de La Callas ou encore Marrakech, ville dans laquelle l'inspiration venait plus facilement. De Marguerite Duras à Visconti. Une allusion à Catherine Deneuve. Les fameux et fabuleux costumes de la revue du Casino de Paris. Mais aussi la rue Saint Anne et le Palace du temps de Fabrice Emaer, entre autres, rien ne manque.

Les références historiques pour ponctuer les années se font par un astucieux montage. Les évènements, d'un côté de l'image pendant que de l'autre défilent les mannequins avec les dates des collections.

La remarquable photographie de Josée Deshaies magnifie l'ensemble. Belle sans être pesante. Raffinée, mais jamais trop appuyée, elle illumine parfaitement les différentes périodes qui constituent le film. Du grand art.

Ce film se regarde comme on découvre avec passion un magnifique album de photos.

Une distribution impeccable contribue à cette réussite.

Amira Casar prête ses traits et son talent à la célèbre Anne-Marie Munoz.

Jérémie Renier dans le rôle de Pierre Bergé est étonnant. Amoureux mais aussi remarquable homme d'affaires, il est à la fois protecteur et tyrannique.

Gaspard Ulliel, au charisme ravageur, est parfait dans la tourmente, l'égoïsme, ou la légèreté souvent capricieuse. Sans rechercher la ressemblance physique à tout prix, il est tout simplement impressionnant.

Louis Garrel manipulateur à souhait, sombre et destructeur est tout aussi impeccable.

La scène dans laquelle Valeria Bruni Tedeschi se retrouve rajeunie et transformée en quelques minutes, par le seul regard et les recommandations du génial Saint Laurent est, à mes yeux, le plus bel hommage que le réalisateur rend au couturier.

À la toute fin du film des journalistes de Libération veulent être les premiers pour annoncer le décès du couturier et trouver le titre accrocheur. Bertrand Bonello est l'un d'eux.

Sources

http://www.unifrance.org

Date de sortie 17 septembre 2014

Réalisé par Anton Corbijn

Avec Philip Seymour Hoffman, Rachel McAdams, Grigoriy Dobrygin,

Willem Dafoe, Robin Wright, Nina Hoss, Daniel Brühl, Homayoun Ershadi

Titre original A Most Wanted Man

Genre Espionnage, Thriller

Production Américaine, Britannique, Allemande

Un Homme très recherché est l'adaptation du thriller homonyme du Britannique John Le Carré. Titré en version originale A Most Wanted Man, ce roman a été publié en Grande-Bretagne et aux États-Unis en octobre 2008. L'auteur s'est rendu sur les lieux du tournage pour conseiller et encourager l'équipe, sans pour autant imposer son avis quant au travail d'adaptation.

Durant les années 1950 et 1960, David John Moore Cornwell a travaillé pour le MI-5 et le MI6 et a commencé à écrire des romans sous le pseudonyme de John Le Carré.

Simon Cornwell, l'un des producteurs d'Un Homme très recherché, n'est autre que le fils du romancier britannique John Le Carré.

Un Homme très recherché est l'un des films posthumes de Philip Seymour Hoffman, décédé le 2 février 2014, soit peu de temps après sa présentation à Sundance.

Philip Seymour Hoffman

Synopsis

Plus de dix ans après les attentats du 11 Septembre 2001, la ville de Hambourg a du mal à se remettre d’avoir abrité une importante cellule terroriste à l’origine des attaques contre le World Trade Center.

Lorsque Issa Kharpov (Grigoriy Dobrygin), immigré d’origine russo-tchétchène, ayant subi de terribles sévices, débarque dans la communauté musulmane de Hambourg pour récupérer la fortune mal acquise de son père, les services secrets allemands dirigés par Günther Bachmann (Philip Seymour Hoffman) sont en alerte, tout autant que les services secrets américains.

Une course contre la montre s’engage alors pour identifier cet homme très recherché : s’agit-il d’une victime ou d’un extrémiste aux intentions destructrices ?

Rachel McAdams et Grigoriy Dobrygin

La première partie d'Un Homme très recherché a été tournée à Hambourg en septembre 2012 durant trente-huit jours. C'est dans cette même ville que se situe l'intrigue du roman publié par John Le Carré. L'auteur connait d'ailleurs bien cette ville puisqu'il y fut un temps consul et agent au début des années 1960. Pour le reste du film, deux jours de tournage à Berlin ont été nécessaires.

Le scénario est signé par Andrew Bovell. Le directeur de la photographie, Benoît Delhomme,  et Herbert Grönemeyer, en tant que compositeur complètent une belle distribution.

Robin Wright et Philip Seymour Hoffman

Pour adapter le livre de la meilleure manière possible, le réalisateur tenait à filmer en automne, une idée qui fut approuvée par Philip Seymour Hoffman : "Je voulais que le film soit empreint de teintes automnales, et évoque la couleur des feuilles des arbres qui roussissent. Philip, lui, voulait qu’on tourne à la fin de l’été. Du coup, je lui ai dit d’insister sur ce point auprès des producteurs !", plaisante Anton Corbijn.

C'est en lisant le scénario d'Un homme très recherché que la compagne d'Anton Corbijn évoqua le nom de Philip Seymour Hoffman pour incarner le héros principal, Günther Bachmann.

Pour Anton Corbijn, se fut une évidence : "Quand j’ai visionné les premiers montages du film avec Phil, je n’arrivais pas à croire que l’homme à mes côtés dans la salle de projection était le même que je voyais à l’écran. Il s’était totalement approprié le personnage. Et quels que soient ses problèmes personnels, sa prestation n’en a jamais pâti", se souvient le réalisateur.

Les actrices Carey Mulligan et Jessica Chastain ont un temps été pressenties pour camper le rôle féminin principal d'Annabel Richter, finalement distribué à Rachel McAdams, qui, pour l'occasion, prit des cours d'allemand pour travailler son accent.

Grigoriy Dobrygin et Willem Dafoe

Pour le rôle d'Issa Karpov, Anton Corbijn cherchait un acteur peu connu et idéalement originaire d'Europe de l'Est. "Lorsque Grigoriy Dobrygin est arrivé pour son audition, le magnétisme et l’intensité de son regard nous ont sauté aux yeux. Nous étions tous scotchés", se souvient la productrice Gail Egan.

Extrait d'entretien du réalisateur recueilli par Sorin Etienne

pour http://www.lefigaro.fr/cinema

Sur le tournage, votre relation avec Philip Seymour Hoffman n'a pas toujours été idyllique…

 
Philip était un homme torturé. Il trouvait qu'il n'était jamais assez bon. Quand on a filmé à Berlin, je suis tombé sur George Clooney, qui tournait dans la même ville. Il m'a demandé si je n'avais pas eu trop d'engueulades avec Philip sur le plateau (George Clooney a dirigé Philip Seymour Hoffman dans Les Marches du pouvoir, NDLR). Si George lui-même avait eu des frictions avec Philip, je me sentais un peu moins débutant… Philip pouvait être difficile mais toujours au bénéfice du rôle, pas pour me faire enrager. Il a eu le temps de voir le film et il en était très fier. Nous avions prévu de tourner un autre long-métrage…

Hambourg est l'autre personnage central du film…

Comme dans mon travail de photographe, j'aime filmer des lieux réels plutôt que de m'enfermer dans un studio. Le fait que l'histoire se situe à Hambourg comptait beaucoup pour moi. J'y ai réalisé mon premier clip pour le groupe Palais Schaumburg en 1983 et j'y suis retourné plusieurs fois depuis, notamment pour faire des photos de Depeche Mode.

J'aime beaucoup les villes portuaires, comme Rotterdam. Hambourg est un territoire presque vierge au cinéma, on ne peut pas y projeter des émotions anciennes, contrairement à Paris, par exemple, qui a déjà servi de décor à de nombreux films. Le seul film tourné à Hambourg est L'Ami américain de Wim Wenders, avec Dennis Hopper. J'ai eu l'occasion d'en parler avec Wim Wenders et il est lui-même surpris que les cinéastes ne s'inspirent pas plus de Hambourg.

Mon opinion

Une excellente adaptation d'un roman de John Le Carré. Ancien responsable de la sécurité intérieure du Royaume-Uni et du contre-espionnage, il est aisé de deviner d'où vient son inspiration. Si tirée d'une certaine vérité, c'est déjà redoutable. Imaginer qu'elle ne représente que la partie visible de l'iceberg fait froid dans le dos.

Comme dans l'œuvre littéraire l'action se passe à Hambourg. La ville, bien connue du réalisateur, n'est pas filmée sous son meilleur angle. Ce parti pris présente le grand mérite d'augmenter la pression, la noirceur et l'angoisse tout en s'appuyant sur un certain réalisme.

Pour un thriller, les dialogues passionnants prennent le pas sur l'action en tenant le spectateur en haleine de bout en bout. Minutieux, et soignés ils dénoncent un jeu de manipulation cruel, et terrifiant.

La mise en scène est efficace. Avec un autre grand plus, une extraordinaire distribution.

Le jeune acteur russe, Grigoriy Dobrygin est exceptionnel. Son talent et son magnétisme devraient être pour lui un vrai "passeport". Robin Wright, belle et excellente, nous le savions déjà. Rachel McAdams juste et touchante. Willem Dafoe, Nina Hoss et Daniel Brühl complètent un casting impeccable à la tête duquel Philip Seymour Hoffman offre une prestation d'une incroyable force.  

"J'ai toujours vu Günther Bachmann comme une âme perdue, concentrée sur son travail. Il boit, il fume mais il est le contraire de James Bond. Les vrais espions ne sont pas comme l'agent 007. Günther est intelligent, cultivé, mais sa manière de chercher des informations n'a rien de divertissante". A déclaré Anton Corbijn dans un entretien.

Un grand rôle pour Philip Seymour Hoffman qui restera dans les mémoires comme un immense acteur.

Sources :

http://www.allocine.fr

http://www.imdb.com